Kurt Elling UN REFERENTE DEL JAZZ VOCAL

En tan sólo ocho años, Kurt Elling, se ha convertido en el referente más importante del jazz vocal masculino actual. Un músico que carece de una formación musical clara pero que, sin embargo, a base de mucho tesón, arduo trabajo, grandes cualidades intelectuales y una curiosidad que no descansa se ha situado en uno de los peldaños más altos del mundo jazzistico acaparando éxito de público y el beneplácito de la crítica más exigente.
Ya en el año 1995 alcanzóo el visto bueno de un coloso como Blue Note que editó, con el añadido de algunos temas, una maqueta que Elling presentara, bajo el nombre de Close Your Eyes. En este trabajo Kurt muestra todas sus cartas: buen gusto en la elección del repertorio y de los acompañantes (al frente de los cuales se coloca su inseparable Laurence Hobgood), grandes dotes poéticas en la redacción de las letras y coqueteos con la generación beat, un uso brillante del scat y una forma de interpretar vocalese en la onda de Mark Murphy y, finalmente, una técnica vocal curtida en distintos escenarios de la ciudad de Chicago que incorpora detalles muy particulares especialmente en cuanto a dinámica se refiere.
Alcanzar una nominación a los premios Grammys en su primer trabajo no es algo de lo que puede presumir cualquier músico, si bien Kurt Elling, hasta la fecha, ha conseguido nominaciones en cada uno de sus discos, hasta la bonita suma de seis. Su segundo album The Messenger venía a confirmar las espectativas puestas en su primer CD y daba una botefada a los que pensaron que se trataba de una estrella de un solo día. Este segundo CD recoge una de las muestras más sinceras y descarnadas del vocalese con una versión que supera los diez minutos del Tanya Jean de Dexter Gordon para cuyo larguísimo solo Elling escribe y canta una soberbia letra.
Su imagen de hipster se vió edulcorada por su matrimonio con una bailarina profesional llamada Jennifer. Uno de las muestras más evidentes de este hecho fué que en sus conciertos dejó de practicar tan a menudo una técnica que sus amigos llamaban ranting consistente en improvisar melodias con letras improvisadas también en mitad de un tema o, incluso, en solitario (algunas muestras de esto se pueden escuchar en The Beauty Of All Things y en The Messenger del album del mismo nombre) que, en los directos, se convertían, en palabras del propio cantante, en auténticas sesiones de terapia. Incluso su siguiente album, This Time It's Love abordaba un material romántico y un enfoque ajeno a sus trabajos anteriores. Sin embargo la calidad del mismo seguía siendo muy elevada.
Tras tres discos en estudio Kurt Elling acometió la producción de su primer CD en directo y escogió, como no podí ser de otra forma, el Green Mill de Chicago, club de Jazz en el que sigue actuando semanalmente siempre que sus cada vez más frecuentes giras se lo permiten. Para la ocasión contó con Jon Hendricks, maestro y padre del vocalese, y el saxofonista nativo de Chicago Von Freeman. Entre el repertorio algunos de sus temas anteriores y algunas nuevas composiciones. Además se guardó experimentos como Resolution, vocalese sobre el original de Coltrane, y un Dolores Dream de 16 minutos de duración para un Live In Chicago - Out Takes que solamente se puede adquirir a través de su página web (ver nuestra sección de links) y recomendado solamente para oyentes amantes de las vanguardias.
Flirting With Twilight seguía en la tónica de su anterior album de estudio aunque incluía un nuevo tributo al trio Lambert, Hendricks & Ross con la inclusión de Lil' Darlin'. Su último proyecto, Man In The Air, nos trae al Elling de sus primeros discos pero menos histriónico y más maduro abordando temas de Metheny, Hancock, Coltrane y Zawinul y es, sin la menor duda, su mejor disco hasta el momento.
Además de su faceta como cantante desarrolla una amplia labor como escritor trabajando en proyectos para distintos teatros y ha demostrado ser un emprendedor (y empresario) de primera linea agrupando en torno a sí a Jon Hendricks, Mark Murphy y Kevin Mahogany con un proyecto que se presenta con el nombre de Four Brothers y que pasó por España el pasado verano.

Leer mas sobre Kurt Elling

http://www.tomajazz.com/perfiles/elling/kurt_elling_entrevista.htm

Van Morrison & Mose Allison TELL ME SOMETHING

TRACKS

1. One Of These Days

2. You Can Count On Me

3. If You Live

4. Was

5. Look Here

6. City Home

7. No Trouble Livin'

8. Benediction

9. Back On The Corner

10. Tell Me Something

11. I Don't Want Much

12. New Nightclub

13. Perfect Moment

MUSICIANS

Van Morrison (vocals, harmonica)

Mose Allison, Ben Sidran (vocals, piano)

Georgie Fame (vocals, Hammond B-3 organ)

Producers: Van Morrison, Ben Sidran, Georgie Fame.

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Biografias del Jazz JOE HENDERSON (1937-2001)

Joe Henderson (1937-2001) quizás sea el saxofonista tenor mas importante del jazz surgido tras la estela de John Coltrane y Sonny Rollins. Durante su juventud, el saxofonista mantuvo una actividad constante y de resultados brillantes en formaciones y grupos muy sólidos y diversos como cuando estuvo con el pianista, Herbie Hancock, o Donald Byrd. Su estilo, elegante y discreto y sus estudios en el "Kentucky State College" y en la "Wayne State University", sirvieron para modelar a un músico que estaría destinado a ser alguien importante en la escena del jazz.
Pocos músicos de jazz podrán esgrimir una carta de presentación tan rotunda y de tanta calidad como cuando Joe Henderson se metió en los estudios de grabación para grabar en el sello Blue Note una obra maestra de jazz imperecedera como fue el titulo de su primer álbum titulado significativamente "Page One". Apenas dos meses antes de esa histórica grabación, Joe Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al gran trompetista, Kenny Dorham -que posteriormente lo incorporaría a su grupo durante dos años, 1962 y 1963- en su álbum titulado "One More Time". Poco después también grabó con el guitarrista, Grant Green una sesión que dio como resultado el disco "Am i Blue".
La participación de Henderson no pasó inadvertida para los directores musicales de Blue Note y rápidamente paso a engrosar la nomina de artistas del exquisito sello azul. En Blue Note grabó junto a Lee Morgan, Horace Silver (estuvo dos años en su grupo entre 1964 y 1966), Freddie Hubbard o McCoy Tyner, infinidad de excelentes discos y eso le abrió las puertas para lo que vendría después. En 1967, dejó la Blue Note y ficho por el sello "Milestone" donde debutó con un disco excelente titulado "The Kicker". Su carrera es imparable y se convierte en uno de los pocos instrumentistas del jazz que pudo escoger su propio destino y grabaría decenas de buenos discos con varios sellos discográficos.
En 1985, vuelve nuevamente a grabar para la Blue Note para editar un gran álbum doble grabado en directo en el Village Vanguard de New York titulado: "The State of the Tenor" . En 1991 es con el sello Verve donde graba un disco enorme dedicado a la música de Billy Strayhorn titulado "Lush Life" y con el que ganó por primera vez un premio Grammy. Al año siguiente vuelve a grabar otra obra maestra dedicada en esta ocasión a la música de Miles Davis, titulado: "So Near, So Far" con el que consigue dos premios Grammy mas.
Casi al final de su carrera y coincidiendo con la muerte del gran guitarrista y compositor, Antonio Carlos Jobim, sacó al mercado para el sello Verve, el álbum titulado "Double Rainbow" un monumento a la fusión entre el jazz y la música brasileña.
Joe Henderson, murió el 30 de junio de 2001 con su ultimo álbum todavía caliente en la calle y que se tituló: "Porgy and Bess". Cuando murió era el saxofonista de jazz vivo mas importante junto al gran Sonny Rollins. Fue un músico sincero, honrado y dotado de una maestría indiscutible.

Biografias del Jazz 1) STAN GETZ (1927-1991)

Stanley Getz (Filadelfia, Pensilvania, 2 de febrero, 1927 - † Malibu, California, 6 de junio, 1991), Stan Getz, saxofonista estadounidense de jazz.Considerado como uno de los más importantes tenores del jazz, fue conocido por el sobrenombre de The Sound ("El Sonido") debido a su tono cálido y lírico, apreciable en temas como su versión de "La Chica de Ipanema". La primera influencia de Getz fue el ligero y suave tono de Lester Young.Nacido en Filadelfia, cuando contaba cuatro años de edad su familia se traslada a Nueva York, donde vive en el barrio del Bronx. Las peleas callejeras y la actitud de otros hacia su origen judío hace que desarrolle una fuerte personalidad, orgullosa y desafiante.Empezó estudiando contrabajo y fagot antes de decidirse por el saxo a la edad de trece años, cuando su padre le compró uno. A los quince debuta profesionalmente con la orquesta de Dick "Stinky" Rogers y hasta 1946 milita sucesivamente en nueve big bands, algunas como la de Benny Goodman, con las que grabará sus primeros solos. A los diecinueve viaja a Los Ángeles donde escucha a Dexter Gordon y Wardell Gray, y se entusiasma escuchando a esos dos grandes saxos tenores que conjugan en sus estilos las enseñanzas de Lester Young y Charlie Parker. En 1947 entra a trabajar en una orquesta, dirigida por Tony de Carlo, y tocaba mambos en el club Pontrelli´s. Esta formación era un tanto atípica ya que en ella tocaban cuatro solistas, todos con saxo tenor. Éstos adoptaron un estilo aéreo, una sonoridad recubierta de un fieltro muy "a la Lester" que, pronto, hizo que les apodasen "Los Hermanos". Woody Herman que buscaba personalidad para su nueva orquesta, conquistado por su sonido los contrató a todos juntos excepto a Jimmy Giuffre.En diciembre de 1948 graba su disco histórico solo en Early Autumn. De la noche a la mañana, su nombre se hace mucho más conocido y se gana el sobrenombre de El Sonido. En 1949 deja la orquesta de Woody Herman, y empieza a liderar combos con Horace Silver, Al Haig, ambos pianistas, Roy Haynes o Tiny Kahn, baterías y con el guitarrista Jimmy Raney. A partir de 1952 inicia su colaboración con el productor Norman Granz.En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando cool con un joven Horace Silver, Oscar Peterson, y muchos otros. Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajo Tommy Potter. En 1958, Getz intento escapar de su adicción a las drogas (por la cual había sido arrestado cuatro años antes) trasladándose a Copenhague, Dinamarca.En 1961 regresa a Estados Unidos donde descubre que el público americano le ha olvidado en buena medida debido a John Coltrane. Para "contraatacar" grabará su álbum histórico Focus. Pero el disco que le vuelve a colocar en la popularidad es Jazz Samba, su primer álbum de "bossa-nova" grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. La canción titulada "Jazz Samba" era una adaptación de la composición de Jobim "So Danco Samba". Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de Jazz en 1963 por el tema "Desafinado".El siguiente paso de esta fusión fue el encuentro con los músicos brasileños. Getz grabó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto. Su colaboración en "La Chica de Ipanema" (1963) ganó el Grammy, haciendo el estilo de Jobim, conocido como bossa-nova, mucho más popular. Esta pieza se convirtió en una de las canciones de jazz más conocidas de la historia.El álbum Getz/Gilberto, ganó dos premios Grammy en 1965, el de mejor álbum y el de mejor single, superando a Los Beatles con su tema "A Hard Day's Night". Esto fue sin duda una victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación de esta música entre millones de personas, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz.Stan Getz comprendió perfectamente el lenguaje de la bossa-nova y sonó completamente natural en las grabaciones que llevo a cabo con los músicos brasileños. El jazz brasileño ha sobrevivido y ha supuesto una clara influencia en los trabajos de famosos músicos de jazz como Wes Montgomery y Joe Henderson. En 1967 y posteriores años, Getz se empezó a interesar más por la fusión jazz-rock y otras tendencias post bop, haciendo música cada vez más personal, y grabando álbumes con Chick Corea, Stanley Clarke o Gary Burton. A través de los 80 planeara con pianistas como Jim McNeely o Kenny Barron, contrabajistas como Jiri Mraz o Rufus Reid y el batería Victor Lewis.En 1988 interrumpió sus actuaciones europeas, tenía cáncer de hígado. Pero siguió tocando hasta prácticamente su último día, con total entrega. El 6 de junio de 1991 supimos que El Sonido ya no volvería a tocar para nosotros. En 1998, la "Biblioteca y Centro Multimedia Stan Getz"' situada en el Conservatorio Musical de Berklee fue dedicada a la memoria del saxofonista gracias a una donación de la Fundación Herb Alpert."Mi vida es la música. Y de alguna vaga, misteriosa y subconsciente forma, yo siempre me he visto impulsado por un intenso impulso interno que me ha llevado a, casi compulsivamente, buscar la perfección en la música, a veces -es más, casi siempre- a expensas de todo lo demás en mi vida." - Stan Getz.

Aziza Mustafa Zadeh (Piano y voz de Azerbaiján)

Aziza Mustafa Zadeh, hija del malogrado pianista Vagif Mustafa Zadeh ( de cuyas obras hay que destacar la obra "Aspiratión" y el cual inventó un tipo de fusión entre la música de jazz y la autóctona de Azerbaiján), nace en 1969, siguiendo los mismos pasos que su padre. Sus apariciones en varios eventos en Europa le llevaron para firmar por el sello Sonny. Con un ataque impetuoso, sobre todo en sus solos explosivos, su intensidad, más que su estilo, recuerda a los primeros pianistas de bebop. Ello se hace especialmente patente cuando canta en scat a gran velocidad consiguiendo una salvaje relación entre el piano y la voz, a menudo sobre métricas ajenas a la tradición occidental, pero comunes en Baku.
Esta nativa de Azerbaiján, es sin duda una de los dos grandes pianistas de jazz del continente asiático (la otra es la gran Toshiko Akiyoshi). Dotada de un gran virtuosismo, su música es emotiva, sentimental y ello sin renunciar a sus raíces, ni a su tierra. Con un talento que conjuga técnica y sensibilidad, Aziza Mustafa presenta en cada uno de sus discos sus propias composiciones, -es una consagrada maestra en la composición- siendo su segundo disco: "Always", con once temas propios el registro mas conocido y premiado en el extranjero. El acompañamiento de dos músicos de primer nivel en el ámbito jazzístico: el bajista John Patitucci y el baterista Dave Weckl, le dan realce a la Session.
Su entrenamiento como pianista clásica en el Conservatorio de Baku, su amor al jazz, su inclinación hacia el cante y los sonidos tradicionales de Azerbaiján, es una magnifica combinación para formar un estilo de música originalísimo y puente entre Oriente y Occidente. Aziza nació criada musicalmente hablando en el mundo del Mugham (se pronuncia MOO-GAM). En Azerbaiján, el Mugham tiene dos significados: uno que se refiere a un sistema modal de la música, y el segundo que se refiere a un trío que realice esta clase de música, conducida por un cantante y acompañada por los músicos. Uno de los fundadores de esta música tradicional e improvisada de Azerbaiján, fue el padre de Aziza: Vagif Mustafa Zadeh. Ésa forma de "jazz asiático" se desarrolló con fuerza a mediados de los años sesenta y setenta, y en 1978, su padre representó a la extinta Unión Soviética en el Festival de Jazz de Mónaco consiguiendo el primer premio y haciendo exclamar al mismísimo Dizzy Gillespie, que la música que había escuchado era lo mas espectacular que había oído y que sería el jazz del fututo.
En 1994, Aziza Mustafa Zadeh, ganó el premio de la Academia de Música, la concesión más prestigiosa de Alemania musicalmente hablando. Si lo que ella toca es realmente jazz, es algo a lo que ella nunca le ha dado importancia. Para ella el jazz, folk y la música clásica son simplemente categorías sin separar. Ella encaja en los tres tipos de música. Lo que ella evita es ser encasillada en una forma. Como Al Di Meola dijo el año pasado: "Aziza es tan brillante como compositora como lo es como pianista".

Biografias del Jazz ENRIQUE VILLEGAS

A veces la gente me pide que cuente mi biografía. Yo siempre respondo: mi biografía termina a los siete años. A esa edad yo aprendí a tocar el piano. Y tocar el piano fue lo único que hice el resto de mi vida".Enrique Villegas fundó alrededor de su figura una mitología poderosa. Además del piano, sus armas fueron la agudeza conceptual, el talento para la ironía y una forma de vida por lo menos pintoresca. Nació sietemesino el 3 de agosto de 1913 en Agüero y Charcas, hijo de Enrique Ulises (otro personaje: dentista, escribano, abogado y organizador de riñas de gallos) y de Helena Reybaud. "Mi mamá murió cuando yo tenía seis meses. Parece que la única función que cumplió en su vida fue tenerme a mí. Prácticamente no tuve padres. Me criaron unas tías condescendientes que jamás me obligaron a nada. Tuve suerte: hice lo que se me dio la gana toda mi vida". A los 7 años recibió la primera lección de piano. Dos semanas más tarde tocaba Mozart correctamente e iba al Conservatorio Williams. "No me gustaba estudiar. Igual tuve que ir al colegio. Iba al Nacional Mariano Acosta, pero en cuarto año quedé libre por la cantidad de faltas. Me hacía la rabona pero no para ir al bar a jugar al billar. Me escapaba para volver al conservatorio".Trabó amistad con Macedonio Fernández, con quien compartía el placer de la charla metafísica, la lectura y la holgazanería. Rara vez se levantaba antes de las tres de la tarde. "Sigo un precepto hindú: si puedes estar sentado, no estés parado; si puedes estar acostado, no estés sentado", repetía entre la sentencia y el sarcasmo. A la noche, si no tocaba, iba al cine. Tenía fobias menores: odiaba las berenjenas, las masitas de coco y el tomate. Y un carácter más que enamoradizo: le encantaban las mujeres. Por eso murió soltero.En 1935 ganó su primer dinero con la música tocando con Eduardo Armani en el Alvear Palace Hotel. Antes había hecho en el Odeón el Concierto en Sol de Maurice Ravel. Después se empleó como músico de Radio El Mundo. Lo echaron cuando, anticipándose de alguna manera a una demasiado famosa frase de John Lennon, declaró que la muerte de Ravel era más importante que la muerte del Papa.Se puso a escuchar y a tocar obsesivamente jazz. En 1955, invitado por el sello Columbia, se radicó en los Estados Unidos. Se quedó ocho años. Grabó con el contrabajista Milton Hilton y el baterista Cozy Cole y finalmente huyó despavorido de la compañía cuando le pidieron que grabara un disco de boleros.Quedó varado en Manhattan, pero no se hizo demasiado problema. Descubrió lo caro que podía ser Nueva York y se la pasaba yendo al cine, cenando café con leche con pan con manteca y escuchando jazz. "Sufrí bastante en Nueva York —contaba—. Pero con el tiempo la aprendí a querer. Conocí a todos los genios: Duke Ellington, Cole Porter, Count Basie, Louis Armstrong, Coleman Hawkins. Y me di cuenta de que, aún en los Estados Unidos, el jazz no es popular ni mucho menos". En Nueva York tuvo un intento de suicidio, uno de los episodios más desopilantes que atraviesa el nutrido anecdotario del Mono Villegas. "Yo estaba muy enamorado de una chica, pero un día discutimos y decidimos separarnos. Me deprimí. Iba caminando con ella y pensé: cuando pase el primer auto me tiro abajo. Vino un auto y me tiré, pero en ese preciso momento se prendió la luz roja y el coche frenó. Era un taxi. ¿Qué hizo la mujer? Se lo tomó y se fue. Un tiempo después hablamos por teléfono y le dije: Si me querés ver hoy te va a costar 35 centavos (que era lo que costaba el boleto del colectivo). Si me querés ver mañana te va a costar 850 dólares (lo que costaba un pasaje de avión a Buenos Aires). Por supuesto a los dos días estaba en la Argentina, sin ella. Nunca más la volví a ver."En Buenos Aires comprobó que los cines eran exactamente iguales a los de Nueva York, pero con entrada más barata. Comprobó también que su fama había crecido, extrañamente. "Ahora los muchachos creen que soy Beethoven", se reía. Lo rodeaban músicos jóvenes, encandilados por su aura. Su departamento era el eje de reuniones en las que se filosofaba, se bebía y se tocaba hasta altas horas. Villegas no fumaba ni bebía. Era un anfitrió n encantador pese a que, dicen, cuando estaba corto de dinero cobraba las bebidas que ofrecía. En 1966 abrió un boliche en Viamonte entre Talcahuano y Uruguay, Villegas y sus amigos. Tocaba, puntualmente, entre la una y media y las tres de la mañana. Lo clausuraron al poco tiempo por ruidos molestos."El jazz argentino no existe —comentaba—. Hay músicos argentinos que hacen jazz. Es así. Por otra parte, yo no me considero pianista de jazz. Soy pianista a secas. El jazz es improvisación total: en cuanto se escribe, deja de ser jazz. Es lo que hizo Picasso con Las meninas de Diego Velázquez: partió de un tema para expresarse libremente. Eso es el jazz".Se quejaba de que no había buenos pianos en la Argentina. Cuando tenía que dar un concierto en malas condiciones, charlaba la mayor parte del tiempo y apenas tocaba un par de piezas. Su obsesión con el tema era tal que, aún hoy, algunos músicos repiten Al gran pueblo argentino: ¡pianos!, frase acuñada por Villegas que, incluso, fue el título de un disco que registró un concierto de 1964 con el contrabajista Jorge López Ruiz y y el baterista Eduardo Casalla. También era intolerante con los públicos bulliciosos y con el mal sonido.Sabiamente, se mostraba cauto y sarcástico con su propia fama. "Yo no me hice famoso con la música; me hice famoso con los reportajes. Camino por Corrientes y todos me saludan ¡chau Mono! y se comentan entre sí: ese que va ahí es el mejor pianista de la Argentina. Y seguro nunca me escucharon tocar", decía sin amargura.Los últimos años los pasó tocando en La Peluquería de San Telmo con un orgullo casi secreto: "Estoy llegando al fin y jamás me prostituí con la música". Era agnóstico pero tenía gran curiosidad con la muerte. "De alguna manera, la espero", decía. Llegó hace veinte años, mansamente. Desde entonces, como escribió alguien por ahí, "descansa en jazz".Enrique mono Villegas (Piano)

Biografias del Jazz- MARIANO OTERO

Mariano Otero
Mariano Otero nació en Avellaneda, el 22 de marzo de 1976.Hijo de un padre músico, creció familiarizado con varios instrumentos y ocasionalmente recibió lecciones de piano y de guitarra. Su formación con el bajo eléctrico comienza a los quince años, y mas tarde estudia el contrabajo y el violoncello. Sus maestros incluyen a Hernan Merlo, Oscar Giunta, Hugo Maceo, Juan Elias, Pastor Mora, Mauricio Weber, Gustavo Giles, Maximo Rodriguez entre otros. Luego de cursar estudios en la Escuela de Musica Popular y en el Instituto Municipal de Musica de Avellaneda,se gradua en la Escuela de Musica Contemporanea y obtiene una beca del Berklee College of Music de Boston y otra del Conservatorio de Amsterdam, ambas mediante audiciones.___ Comienza a trabajar como profesor en la Escuela de Musica Contemporanea y se convierte en uno de los referentes de la nueva camada de musicos de jazz en argentina. En el ano 2001 es elegido bajista revelación por el periódico La Nacion, y sus proyectos comienzan a despertar el interés de la critica y del publico. También participa extra jazzisticamente en varias orquestas dedicadas al tango, y en comedias musicales. Continuamente creando proyectos de música original, en el 2002 crea un septeto con el cual registra su primer CD en el 2003, titulado "A Traves", que es aclamado por la prensa especializada y elegido mejor disco del año por "La Nacion". También es nominado al premio Clarin, como artista revelación de jazz,y es preselecionado para los premios Carlos Gardel por mejor disco.En el año 2004 realiza una gira por Nueva York y Miami, liderando su quinteto, con el que registra para el sello S-Jazz de EMI un nuevo disco llamado D-Forma, siendo nominado nuevamente para los premios Clarin, y es convocado para participar, ya en enero de 2005, del festival internacional de La Pataia en Punta del Este. Es en 2005 justamente que comienza a escribir música para big band, siendo reconocido como "mejor músico de jazz del año" y "mejor big band" por el periódico "La Nacion".___ Trabaja activamente en shows y grabaciones con los músicos mas reconocidos del ambiente jazzistico: Ernesto Jodos, Walter Malosetti, Pepi Taveira, Juan Cruz de Urquiza, Rodrigo Dominguez, Enrique Norris, Sergio Verdinelli, Luis Natch, entre otros.o bajista argentino

Biografias del Jazz JAVIER MALOSETTI

Javier Malosetti
Hijo de un exquisito músico de jazz, Javier Malosetti se destaca como bajista de diversas bandas y en su carrera solista.
Fue miembro estable del grupo de Luis Alberto Spinetta, con quien grabó los discos "Don Lucero", "Exactas" y "Pelusón of Milk", y tocó con Dino Saluzzi, Lito Vitale, Jaime Ross y Baby López Furst, entre muchos otros.
En 1993 grabó su primer disco solista, excelentemente criticado y hasta calificado como "revelación" en varios medios.
Luego de muchas giras acompañando a distintos artistas, en el 2001 editó su segundo trabajo en solitario, "Spaguetti Boogie", para el cual el encasillamiento no es precisamente una buena opción: «Con este disco me gustaría zafar de las bateas del jazz. No sé si es fácil, porque algunos me siguen viendo como un músico de jazz que histeriquea con el rock, pero eso es injusto. Soy un músico de ningún estilo. Y no coqueto: yo me curto todos los estilos».
En el 2003 volvió al formato de trío para la gira de su disco "Malosetti vivo", al tiempo que continuó tocando con Spinetta.
Al año siguiente dejó la banda de Spinetta para dedicarse full time a "Onyx", su nuevo trabajo.


DiscografíaJavier Malosetti, 1993Spaguetti Boogie, 2000Villa, 2002Malosetti vivo, 2003Onyx, 2004Niño, 2006Website oficial:http://www.malosetti.com.ar/