romanticwarrior-jazz

Mike Stern - Odds or Evens (1991)

2008-09-27T06:18:00.003-03:00

1.Keys
2.D.C.
3.Common Ground
4.Odds Or Evens
5.Seven Thirty
6.If You Say So
7.Sandbox
8.Walkie Talkie

Musicos
Mike Stern : Guitarra
Bob Berg: Saxo tenor
Jim Beard: Piano y sintetizadores
Ben Perowsky: Batería
Don Alias: Percusión
Anthony Jackson: Bajo
Lincoln Goines: Bajo
Dennis Chambers: Batería

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John Zorn - Electric Masada: 50th Birthday Celebration Volume Four (2004)

2008-09-27T06:03:00.002-03:00

1. Tekufah
2. Idalah-Abal
3. Hadasha
4. Hath-Arob
5. Yatzar
6. Lilin
7. Kisofim

Musicos
John Zorn: Saxo alto
Cyro Baptista: Percusión
Joey Baron: Batería
Trevor Dunn: Bajo
Ikue Mori: Electrónica
Marc Ribot: Guitarra eléctrica
Jamie Saft: Teclados
Kenny Wollesen: Batería

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Freddie Hubbard RED CLAY

2008-09-02T16:03:00.000-03:00

1. Red Clay (Album Version)

2. Delphia (Album Version)

3. Suite Sioux (Album Version)

4. The Intrepid Fox (Album Version)

5. Cold Turkey (Album Version)

6. Red Clay (Alternate Version)

http://www.badongo.com/file/10841011

Jaime Roos SIEMPRE SON LAS CUATRO / MEDIOCAMPO

2008-08-25T15:23:00.005-03:00

SIEMPRE SON LAS CUATRO

01- Hermano te estoy hablando

02- Quince abriles.

03- La sirena.

04- Adiós juventud.

05- Historias tristes.

06- Chalaloco.

07- Nadie me dijo nada.

08- Parece.

09- Desde aquí se ve.

MEDIOCAMPO

01- Durazno y convención.

02- Victoria Abaracón.

03- Luces en el Calabró.

04- Si piensas en mí.

05- Tal vez Cheché.

06- Los futuros murguistas.

07- Nunca fuiste al cine.

08- Una vez más

09- Pirucho.

Los 2 Archivos Bajalos Aca:

http://www.zshare.net/download/894866746492e1/

Jaime Roos CONCIERTO ANIVERSARIO

2008-08-25T15:17:00.002-03:00

1) Si me voy antes que vos

2) Victoria Abaracon

3) El hombre de la calle

4) Cuando juega Uruguay

5) Las luces del estadio

6) Se va la murga

7) Piropo

8) Los futuros murguistas

9) Los Olímpicos

10) Esta noche

11) Cometa de la farola

12) Nadie me dijo nada

13) Bienvenido

14) El tambor

15) Tl vez Cheché

16) Durazno y Convención

17) Amandote

18) Adiós juventud

http://rapidshare.com/files/97731465/CON_ANIV_JR_By_Team_WarezSoftx.rar

THE PIANO TRIBUTE TO PINK FLOYD

2008-08-23T19:39:00.002-03:00

01- Comfortably numb.

02- Wish you were here.

03- Shine on you crazy diamond.

04- Money.05- Goodbye blue sky.

06- Pigs on the wing.

07- Have a cigar.

08- Hey you.

09- Us & them.

10- Mother.

11- Brain damage / Eclipse.

12- Sail on the steel breeze (Original composition inspired by the music of Pink Floyd).

http://www.zshare.net/download/15553235c8987bd7/

Diana Krall WHEN I LOOK INTO YOUR EYES

2008-08-23T19:28:00.002-03:00

01- Let's face the music and dance.

02- Devil may care.

03- Let's fall in love.

04- When I look in your eyes.

05- Popsicle toes.

06- I've got you under my skin.

07- I can't give you anything but love.

08- I'll string along with you.

09- East of the sun (And west of the moon).

10- Pick yourself up.

11- Best thing for you.

12- Do it again.

13- Why should I care.

http://www.zshare.net/download/1607151333dec943/

Diana Krall LOVE SCENES

2008-08-23T19:23:00.003-03:00

01- All or nothing at all.

02- Peel me a grape.

03- I don't know enough about you.

04- I Miss you so.

05- They can't take that away from me.

06- Lost mind.

07- I don't stand a ghost of a chance with you.

08- You're getting to be a habit with me

.09- Gentle rain.

10- How deep is the ocean (How high is the sky).

11- My love is.

12- Garden in the rain.

http://www.zshare.net/download/1607393037323ac4/

John McLaughlin FLOATING POINT

2008-08-18T09:14:00.002-03:00

Track Listing

1. Abbaji (For Ustad Alla Rakha)

2. Raju

3. Maharina

4. Off the One

5. The Voice

6. Inside Out

7. 14U

8. Five Peace Band

http://www.filesend.net/download.php?f=5b40d80c13218cf090ea80f1395d74c1

Literatura Argentina TUNUNA MERCADO

2008-08-12T11:32:00.002-03:00

1939Nace el 25 de diciembre en la ciudad de Córdoba. Su padre es abogado criminalista y legislador; su madre, escribana."En una casa ubicada en un barrio de la ciudad de Córdoba, habitada por una familia perteneciente a la burguesía ilustrada de la provincia, Tununa Mercado pasó su infancia. Abogado, amigo de artistas, apasionado por la pintura y la cultura libresca, el padre de Tununa tenía el living de esa casa atestado de cuadros que compraba con el entusiasmo de quien invierte en algo doblemente valioso, y de libros, enorme cantidad de textos que sostenían la estructura intelectual de esa casa, así como las vigas podían soportar el techo", escribió Guillermo Saavedra, en "La curiosidad impertinente", Beatriz Viterbo Editora, Buenos Aires, 1993.1941A pesar de haber sido inscripta con el nombre de "Nilda", a los dos años de edad su familia comienza a llamarla "Tununa". Con el tiempo ella decidirá firmar con este sobrenombre las primeras notas periodísticas que firmará.1958Comienza a cursar la carrera de Letras en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional de Córdoba.1960Siendo alumna de la cátedra de Literatura Argentina, conoce a su futuro marido, Noé Jitrik quien en ese momento estaba dictando clases como profesor contratado.1961En el mes de enero se casa con Noé Jitrik.1962Nace en Córdoba su hijo Oliverio.1964Se traslada a Buenos Aires, junto con su familia. Abandona la carrera faltándole sólo dos materias para terminarla. "Ya no volví. El golpe del 66 me vedaba regresar a dar las materias con profesores que no se habían solidarizado con los que fueron echados, o que se habían quedado con sus cátedras. Después ya nos fuimos a Francia. Siempre lamenté no haberme recibido," dirá.Conoce al grupo de amigos de su marido: César Fernández Moreno, Paco Urondo, Alberto Vanasco, Miguel Brascó y Juan Gelman.1966En el mes de junio, nace su hija Magdalena.Sin comentarlo a su familia y amigos, envía el libro de cuentos "Celebrar a la mujer como a una pascua" al Premio Casa de las Américas, de La Habana (Cuba). Estando su marido de paso por esa ciudad, se entera de que Tununa había obtenido la Mención del concurso.Ante la propuesta que recibe Noé Jitrik de trabajar como docente en una Universidad francesa, la familia se instala en el este de Francia por casi tres años.Durante su estadía, Tununa reparte su tiempo entre el estudio del francés y el dictado de cursos sobre historia y civilización de América Latina.1968Durante mayo del ’68, viaja a París casi diariamente para sentirse más cerca de los acontecimientos.1970Junto con su familia, regresa a Buenos Aires.1971Trabaja como periodista en el diario La Opinión, publicación que llegó a convertirse en referente de los sectores intelectuales y progresistas de la época."Mi vida transcurría en torno al Diario La Opinión. [...] Era un momento de lucha política muy fuerte, era una época de huelgas, de sindicatos, de vida gremial, y yo formaba parte de eso", recuerda Tununa.1973A partir del golpe militar chileno, participa junto a su marido de comisiones de solidaridad con Chile y, más tarde, con otros países de América Latina.1974En septiembre, Noé Jitrik es invitado a dar clases durante seis meses en México. Tununa y sus hijos tenían pensado reunirse con él durante el verano para pasar las vacaciones. Sin embargo, comienza a recibir amenazas telefónicas de la Triple A y decide adelantar el viaje. Pero lejos de tratarse de unas vacaciones, ya no pueden regresar. Vivirán en México hasta el final de la dictadura argentina.1975Forman una comisión de solidaridad con los exiliados argentinos en México. Esta comisión también organizó un cine-club que funcionaba como lugar de encuentro afectivo. Compartía las experiencias con un gran número de exiliados llegando a formar una verdadera colonia.En México, trabajó fundamentalmente como periodista free-lance, en los primeros tiempos. Más tarde, consiguió como editora de una revista. Trabajó también en "Femme", una de las primeras revistas feministas y realizó la prensa de la Dirección de Artes Plásticas del Instituto Nacional de Bellas Artes.Durante los años de exilio escribe "Canon de alcoba".1987Regresa definitivamente a Buenos Aires junto a su marido y su hija."Creo que nunca dejaré de sentirme aquí una extranjera, y me relaciono con muchas personas y lugares de esta ciudad como si lo hiciera por primera vez", dirá en la entrevista de Guillermo Saavedra, para "La curiosidad impertinente", Beatriz Viterbo Editora, Buenos Aires, 1993.1988La editorial Ada Korn, de Buenos Aires, publica el libro de cuentos "Canon de alcoba", que recibe el Premio Boris Vian, otorgado por un grupo de escritores argentinos.1990Aparece en Buenos Aires "En estado de memoria" (Ada Korn)."No se trata de relatos, al menos en el sentido más habitual del término, tampoco de artículos ni de memorias, pero algo hay de todo eso, y también de ensayo y de confesión. Aparecido por primera vez en 1990, En estado de memoria no sólo rompía entonces con la noción de género literario o la desconocía drásticamente, sino incluso con la de literatura tal como se la suele entender. [...] El peso que en ese tránsito tienen las muertes, las enfermedades y, con especial fuerza e insistencia, la descolocante y nunca del todo elaborada experiencia que implican tanto el exilio como el desexilio en Buenos Aires, dan al conjunto una atmósfera sombría, pero es el precio que debe pagar un ejercicio de lucidez dispuesto a hacerse cargo ante todo de lo oscuro, lo irracional, lo que no tiene nombre, lo que tiene mucho más el aspecto de una carencia que el de un patrimonio. Si importa, sin embargo, no es sólo por lo que ese trabajo revela sino por la experiencia específicamente literaria que pone en juego. El placer de leer este libro es, puede decirse, el de percibir cómo alguien negocia con su lenguaje para arrancarle una capacidad de presentar los hechos y las sensaciones sin traicionar lo que tienen de singular e irrepetible. Sedosa, consistente, morosa y a la vez tensa, la prosa de Tununa Mercado se parece mucho a la poesía: cualquier cosa, supone, aun la más abstracta o difusa, puede ser escrita si encuentra su ritmo y su tono. No faltan, en el fluir de esa corriente, las frases y las observaciones que emergen como la súbita condensación de una verdad, pero esto no parece responder a un saber previo sino a la capacidad de descubrimiento que la escritura suele tener cuando se la ejerce de un modo tan solitario e intransigente", escribió Daniel Freidemberg para la Revista Ñ, Clarín, domingo 7 de febrero de 1999.1994La editorial Beatriz Viterbo, de Rosario, publica el libro de ensayos "La letra de lo mínimo"."’La letra de lo mínimo’, en efecto, aunque integrado por textos muy diversos entre sí, se construye bajo la relativa homogeneidad de los tonos del susurro. Incluso en sus tramos más vehementes, en las intervenciones políticas, en los debates sobre género. ’La letra de lo mínimo’ es un libro en el que, antes de alzarse la voz, se susurra. Ese susurro, sin embargo, nos recuerda que hablar en voz baja es una manera de sustraerse al control del oído ajeno: que la murmuración es, al fin de cuentas, la modalidad que corresponde al complot; que si al susurro se lo puede considerar un tono menor, la minoridad puede ser una forma estratégica de resistencia antes que un matiz de debilidad. Se murmura por decisión, no por imposibilidad: el susurro no es afonía; aún más: es su contrario, porque sólo queda afónico aquel que ha gritado.", escribió Martín Kohan para la revista "Espacios", Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, Nº 18 junio/julio 1996.1996Se publica, en Buenos Aires, la novela "La madriguera" (editorial Tusquets).1998Recibe la beca Guggenheim.Alción Editora, de Córdoba, reedita su libro "En estado de memoria".2003La editorial Beatriz Viterbo, de Rosario, publica el libro de ensayo "Narrar después".2004Recibe el Premio Konex Diploma al Mérito en el rubro "Cuento: quinquenio 1999-2003".2005La editorial Planeta publica, en Buenos Aires, la novela "Yo nunca te prometí la eternidad"."’Yo nunca te prometí la eternidad’ reexamina uno de los temas constantes en la obra de Mercado: la memoria, un tópico en el que aparece implicada también su biografía con las peripecias de exiliada sin tierra [...] Pero la novela es también una narración que reflexiona, en acto, sobre el hecho de narrar. Con refinada precisión, Mercado refiere los resultados de la investigación y la investigación misma que subyace al libro, trabajosa tarea que incluye, en una suerte de vocación por el dato cierto y verificable, la traducción de los documentos y el seguimiento en un mapa, con la lupa en la mano, de las carreteras de Francia que transitó Walter Benjamin. Este tipo de operaciones, en que la investigación y la ficción tienden a confundirse, ponen en suspenso las clasificaciones genéricas. ’Me llamó la atención que al libro no le pusieron ’novela’ en la tapa. Y aunque yo pienso que es una novela, creo también que es un artefacto diferente, un texto. Siempre tuve problemas para designar lo que yo hago. Las fronteras entre ficción y no ficción en mi escritura son muy lábiles. En el momento en que yo me comprometo con el texto, estoy haciendo ese trasvasamiento entre lo literario, lo histórico y lo personal. Yo no invento novelas de caballerías. De todas maneras, creo que es muy diferente a las novelas históricas que hemos estado leyendo en Argentina en los últimos años’". Entrevista de Pablo Gianera, La Nación, domingo 19 de junio de 2005.

Hiram Bullock MUERE A LOS 52 AÑOS

2008-08-12T10:02:00.001-03:00

El guitarrista y vocalista Hiram Bullock, que a lo largo de los años mezclo y fusiono melodías de diferentes géneros musicales como el Rock, el Blues, el Funk, o el Jazz, falleció el pasado 25 de Julio en la ciudad de Manhattan a la edad de 53 años como consecuencia del cancer de garganta que padecía desde hace álgun tiempo. Hiram Bullock había nacido en la ciudad japonesa de Osaka, el 11 de Septiembre de 1.955. Su padre era un afroamericano que en el año 1.955 se encontraba destinado como militar en una base americana en Japón. Hiram Bullock regresa a los Estados Unidos con dos años de edad y comienza a tocar la guitarra muy joven. Durante su infancia estudia piano en The Peabody Conservatory Of Music en la ciudad de Baltimore, en el estado americano de Maryland. A la edad de 6 años se sube por primera vez al escenario en lo que es su primer recital de música. Con 11 años aprende a tocar el saxo y al mismo tiempo aprende a tocar el bajo lo que le permite ingresar en bandas de Rock locales durante su estancia en el High School. Con 16 años decide de forma definitiva elegir la guitarra como su principal instrumento. Hiram Bullock ingresa en la escuela de música de la Universidad de Miami; será allí donde coincida con músicos de la talla del guitarrista Pat Metheny o del bajista Jaco Pastorius, asimismo conoce a muchos músicos con los que se subirá al mismo escenario a lo largo de su vida. Inicialmente es guitarrista de la cantante Phyllis Hyman en una serie de conciertos que la vocalista celebra, hecho que le lleva directamente a la ciudad de New York, produciéndose así el lanzamiento internacional del guitarrista. Durante su estancia en la ciudad de New York tiene la oportunidad de conocer al saxofonista David Sanborn, del que inmediatamente se convierte en su guitarrista solista. Además de con el músico David Sanbord, Hiram Bullock ha tocado con músicos de la categoría de Miles Davis, Chaka Khan, Paul Simon, The Brecker Brothers, Pete Townsend, Sting, Bob James, Kenny Loggins, James Brown, Barbra Streisand, Billy Joel, James Taylor, Spyro Gyra, Eric Clapton, Al Green, Burt Bacharach o Roberta Flack, por citar algunos de los muchos artistas con los que Hiram Bullock ha tenido la ocasión de participar, tanto en giras como en grabaciones de estudio. A finales de la década de los 70´s abandera la formación musical 24th Street Band, banda constituida por el bajista Will Lee, el pianista Clifford Carter, el batería Steve Jordan y el percusionista Sammy Figueroa. La formación se separa en el año 1981 y deja tres producciones discográficas publicadas y editadas por el sello discográfico Nippon Columbia Records; “24th Street Band” editado en 1.979, en el año 1.980 se publica “Share Your Dreams” y el tercer y último álbum publicado en vivo y titulado “Bokutachi“. Su primer trabajo discográfico en solitario lo edita en el año 1.982 bajo el titulo de “First Class Vagabond“, álbum que fue exclusivamente distribuido en el mercado japonés por el sello discográfico JVC Records, editándose posteriormente en formato CD en el sello discográfico Polygram Records. Ha participado como guitarrista en el programa televisivo The Late Night With David Letterman y también formando parte de la formación musical del programa The Saturday Night Live. Ha sido con David Sanborn, director musical del programa The Night Music Show. El funeral en memoria de Hiram Bullock fue celebrado el pasado día 5 de Agosto a las 18.00 horas en el SGI Buddhist Cultural Center en el 7 East 15th Street, en la ciudad de New York. Como homenaje a Hiram Bullock, su tema titulado “Everything U Do” de la última producción discográfica titulada “Too Funky 2 Ignore” editada y publicada en el año 2.005.

Hiram Bullock WAY COOL

2008-08-12T09:56:00.001-03:00

01. Da Alley

02. Shut Up

03. Show Me

04. Way Kool

05. Never Give up

06. I No U

07. Wolfman

08. Another Night

09. 10 To 11

10. Dear Prudence

http://rapidshare.com/files/135464016/Hiram_Bullock_-_Way_Cool__1992_.rar

Hiram Bullock FROM ALL SIDES

2008-08-12T09:45:00.003-03:00

1. Window Shoppin'

2. Until I Do

3. Hark! The Herald Angels

4. Really Wish I Could Love You

5. Say Goodnight, Gracie

6. Funky Broadway

7. Mad Dog Daze

8. Cactus

9. When The Passion Is Play

http://www.megaupload.com/es/?d=MKRW7CR9

Jaco Pastorius- WORD OF MOUTH

2008-08-12T09:24:00.002-03:00

01 - Crisis

02 - 3 Views of a Secret

03 - Liberty City

04 - Chromatic Fantasy

05 - Blackbird

06 - Word of Mouth

07 - John and Mary

http://www.badongo.com/es/file/10596456

Joshua Redman BACK EAST

2008-07-20T08:40:00.002-03:00

1. The Surrey With The Fringe On Top

2. East Of The Sun (And West Of The Moon)

3. Zarafah

4. Indian Song

5. I’M An Old Cowhand

6. Wagon Wheels.

7. Back East

8. Mantra *5

9. Indonesia

10. India

11. Gj

http://rapidshare.com/files/74197261/J05hu4R3dm4n-B4ck345t.rar

Joshua Redman WISH

2008-07-20T08:14:00.004-03:00

Tracks:

1. Turnaround (Ornette Coleman)

2. Soul Dance (Joshua Redman)

3. Make Sure You’re Sure (Stevie Wonder)

4. The Deserving Many (Joshua Redman)

5. We Had a Sister (Pat Metheny)

6. Moose the Mooche (Charlie Parker)

7. Tears in Heaven (Eric Clapton)

8. Whittlin’ (Pat Metheny)

9. Wish (Joshua Redman)

10.Blues for Pat (Charlie Haden)

http://rapidshare.com/files/114852898/Joshua_Redman_-_Wish.rar

Joshua Redman FREDOM IN THE GROOVE

2008-07-20T08:10:00.004-03:00

Tracks:

1. Hide and Seek (5:36)

2. One Shining Soul (8:13)

3. Streams of Consciousness (8:53)

4. When the Sun Comes Down (7:15)

5. Home Fries (4:44)

6. Invocation (10:00)

7. Dare I Ask? (6:03)

8. Cat Battles (5:40)

9. Pantomime (7:27)

10. Can't Dance (5:09)

http://rapidshare.com/files/128800324/Redman_-_Groove.rar

Ligia Piro TRECE CANCIONES DE AMOR

2008-07-19T17:41:00.002-03:00

Temas:

01 The way you look tonight

02 Moon river

03 You've changed

04 Watch what happens

05 Change the world

06 Over the rainbow

07 Love you madly

08 Waltz for Debby

09 Isn't she lovely

10 How deep is the ocean

11 The masquerade

12 Can't buy me love

13 So in love

Ricardo Lew Guitar

http://rapidshare.com/files/122746540/Trece_Canciones_de_Amor.part1.rar

http://rapidshare.com/files/122749868/Trece_Canciones_de_Amor.part2.rar

Joe Satriani SUPER COLOSAL

2008-07-17T17:47:00.001-03:00

1) Super Colossal

2) Just Like Lightnin'

3) It's So Good

4) Redshift Riders

5) Ten Words

6)A Cool New Way

7) One Robot's Dream

8) The Meaning of Love

9) Made of Tears

10) Theme for a Strange World

11) Movin' On

12) A Love Eternal

13) Crowd Chant

http://www.mediafire.com/download.php?mfeacmqni9x

Joe Satriani en Buenos Aires

2008-07-17T17:32:00.002-03:00

El reconocido guitarrista vuelve a la Argentina para presentar su nuevo álbum "Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock", editado en el 2008. El recital se realizará a las 21hs en el estadio Pepsi Music.

Luego de su últimas placas "Super Colosal" y "Live!", Joe Satriani edita su nuevo disco de estudio "Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock", álbum donde se luce el tema "I Just Wanna Rock" y en el cual Joe sorprende tocando la guitarra acústica en el track "Andalucia".Este disco fue producido por Satriani y John Cuniberti, guíados por los talentos musicales del baterista / percusionista Jeff Campitelli y el renombrado bajista Matt Bissonette. También hay una participación especial del hijo de Joe, ZZ Satriani, tocando el saxo tenor. Actualmente el guitarrista está realizando un tour para presentar su último álbum que incluye shows en Europa, Australia y Sudamérica, retornando luego a USA. En el curso de su legendaria carrera ha editado 12 álbumes como solista y 3 DVD's que vendieron más de 10 millones de unidades alrededor del mundo. En las dos últimas décadas, Satriani ha viajado alrededor del mundo, agotando shows como solista y como fundador de G3.

Joe Satriani PROFESSOR SATCHAFUNKILUS AND THE MUSTERIONOF ROCK (2008)

2008-07-17T17:25:00.002-03:00

01. Musterion

02. Overdriver

03. I just wanna rock

04. Professor Satchafunkilus

05. Revelation

06. Come on baby

07. Out of the sunrise

08. Diddle-y-a-doo-dat

09. Asik vaysel

10. Andalusia

http://rapidshare.com/files/119799123/proff-matisse.rar

EL EMPLEADO DEL MES

2008-07-17T15:44:00.002-03:00

Gracias Doctor!!

Firmas: Carlos Menem, Adolfo rodriguez Saa, Eduardo Duhalde, Luis Barrionuevo, Sociedad Rural, Jorge Rafael videla, Jose Alfredo Martinez de Hoz, Domingo Cavallo, fernando De la Rua,
Siguen las Firmas.
Gracias por su LEALTAD!!

Al Di Meola CONSEQUENCE OF CHAOS

2008-07-17T15:29:00.002-03:00

01. San Marco (moderna) (4:55)

02. Turquoise (7:28)

03. Odyssey (0:56)

04. Tao (6:00)

05. Azucar (7:44)

06. Sanctuary (2:09)

07. Hypnose (4:46)

08. Red Moon (4:26)

09. Cry For You (4:14)

10. Just Three Words (1:20)

11. Tempest (9:00)

12. Storm Off-Shore (1:04)

13. Black Pearls (3:07)

14. Africana Suite (4:47)

15. San Marco (Vecchio) (1:49)

http://www.filesend.net/download.php?f=b23ede4f044c09c658b5ed5a03413c1f

Al Di Meola TOUR DE FORCE .LIVE-

2008-07-17T15:22:00.001-03:00

1."Elegant Gypsy Suite" – 10:10

2."Nena" – 5:06

3."Advantage" (Jan Hammer) – 5:00

4."Egyptian Danza" – 5:41

5."Race With Devil on Spanish Highway" – 7:36

6."Cruisin'" (Jan Hammer) – 5:26

http://lix.in/3b8adf

Al Di meola KISS MY AXE

2008-07-17T15:16:00.002-03:00

1.South Bound Traveler (5:22)

2. The Embrace (5:49)

3. Kiss My Axe (5:04)

4. Morocco (7:41)

5. Gigi's Playtime Rhyme (Interlude #1) (2:36)

6. One Night Last June (8:19)

7. Phantom (7:53)

8. Erotic Interlude (Interlude #2) (2:32)

9. Global Safari (5:42)

10. Interlude #3 (1:59)

11. Purple Orchids (6:45)

12. The Prophet (Interlude #4) (1:18)

13. Oriana (September 24, 1988) (5:19)

http://www.mediafire.com/download.php?cvxt9gts9hx

Al Di Meola CASINO

2008-07-17T15:09:00.002-03:00

Temas:

01- Egyptian dance

02- Chasin´ the voodoo

03- Dark eye tango

04- Señor Mouse

05- Fantasía suite para

06- Casino

Musicos:Al Di Meola: guitarra eléctrica y percusiónSteve Gadd: bateríaAnthony Jackson: bajoBarry Miles: piano eléctrico, mini MOOG, órgano Yamaha y piano acústicoMingo Lewis: congas y bongóEddie Colón: timbales y rototoms

http://rapidshare.com/files/114194943/Al_Di_Meola_-_Casino.rar

Literatura Argentina DAVID VIÑAS (1929)

2008-07-11T20:05:00.005-03:00

Biografía
Según sus biógrafos nació en Buenos Aires, en la esquina de Talcahuano y Corrientes. En 1942, cuando tenía 13 años, consiguió una beca para ir al Liceo Militar que abandonó en quinto año para estudiar con los jesuitas. Se doctoró en Letras por la Universidad de Rosario con la tesis La crisis de la ciudad liberal. Fundó con su hermano Ismael, la revista Contorno. David contribuía como crítico de literatura. Más tarde, fundó la revista Ciudad. Estas revistas, influyeron, con nuevas ideas en los intelectuales y los estudiantes universitarios . Intelectual heterodoxo y marxista convencido, durante la última dictadura militar (1976-1983), estuvo exiliado en distintos países de América y Europa, dando clases de literatura en California, Berlín y Dinamarca. Desde 1984 vive en Buenos Aires. Es catedrático de Literatura de la Facultad de Filosofía y Letras (Universidad de Buenos Aires). En 1990 rechazó la Beca Guggenheim. Un homenaje a mis hijos: María Adelaida y Lorenzo Ismael fueron secuestrados y desaparecidos por la dictadura militar en los años 70. (Viñas siempre responsabilizó a los EE.UU. de dar apoyo a la dictadura Argentina).
Actualmente dirige el Instituto de Literatura Argentina (UBA)

Crítica
Algunos críticos llamaron «parricida» a la generación de escritores de la que Viñas formó parte, porque criticaban no sólo el presente, sino la historia escrita.
Según Ricardo Piglia, uno de los ejes de la obra de Viñas es la indagación sobre las formas de la violencia oligárquica...sobre todo la dominación oligárquica, la persistencia de esa dominación y sus múltiples manifestaciones en distintos planos de la historia nacional.
Otra estudiosa de Viñas: Marcela Croce, encuentra en él, la voluntad de construir un pensamiento en perpetua sospecha, que pone y se pone en situación de riesgo, que interpela la propia identidad y, por eso mismo, deja huellas en el cuerpo del que enuncia. Un pensamiento que, en la circunstancia de Viñas, perturbó las condiciones de una fecunda producción textual (obligándolo, incluso, al exilio) y dividió los avales de la comunidad académica.

Obra

Novela
Cayó sobre su rostro (1955)
Los años despiadados (1956)
Un Dios cotidiano (1957)
Los dueños de la tierra (1958)
Dar la cara (1962)
En la semana trágica (1966)
Hombres de a caballo (1967)
Cosas concretas (1969)
Jauría (1971)
Cuerpo a cuerpo (1979)
Prontuario (1993)
Tartabul (2006)

Teatro
Sarah Goldmann
Maniobras
Dorrego
Lisandro (1971)
Tupac-Amaru
Ensayo
Literatura argentina y realidad política: de Sarmiento a Cortázar (1970)
De los montoneros a los anarquistas (1971)
Momentos de la novela en América Latina (1973)
Indios, ejército y fronteras (1982)
Los anarquistas en América Latina (1983)
Literatura argentina y política - De los jacobinos porteños a la bohemia anarquista (1995

Guiones
El jefe (1958)
La muerte blanca (1985)
Sábado a la noche, cine (1960)
Dar la cara (1962)
El candidato (1959)

David Viñas en la Audiovideoteca de Escritores

Cassandra Wilson TRAVELING MILES

2008-07-11T19:41:00.002-03:00

1 Run the Voodoo Down (4:36)

2 Traveling Miles (4:52)

3 Right Here, Right Now (5:57)

4 Time After Time (4:08)

5 When the Sun Goes Down (6:05)

6 Seven Steps (6:44)

7 Some Day My Prince Will Come (3:53)

8 Never Broken (5:13)

9 Resurrection Blues (Tutu) (6:11)

10 Sky and Sea (Blue in Green) (5:24)

11 Piper (5:03)

12 Voodoo Reprise (4:15)

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Cassandra Wilson LOVERLY

2008-07-11T19:22:00.003-03:00

01.- Lover come back to me

02.- Black orpheus

03.- Wouldn't it be loverly

04.- Gone with the wind

05.- Caravan

06.- Til there was you

07.- Spring can really hang you up

08.- Arere

09.- St. James infirmary

10.- Dust my broom

11.- The very thought of you

12.- A sleepin' bee

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Gabriele Mirabassi & Richard Galliano COLORIAGE

2008-07-09T05:21:00.002-03:00

1 Beritzwaltz

2 Reflections

3 Spleen

4 Il Viaggio

5 Tea For Toots

6 Giselle.

7 Coloriage

8 Ballade Pour Marion

9 Chiquilin De Bachin

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Giovanni Mirabassi TERRA FURIOSA

2008-07-09T05:12:00.000-03:00

1 Alfonsina Y El Mar 7:43

2 #3 4:04

3 Sienna's Song 7:34

4 Last Minutes (Intro) 0:48

5 Last Minutes 6:22

6 Radicaux Libres 3:21

7 W.A.F. 4:30

8 Amba 5:25

9 Worry Doll 5:19

10 We Have The Blues Mr President 4:20

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Giovanni Mirabassi PRIMA O POI

2008-07-09T05:01:00.001-03:00

1. Barcarole

2. Ero Io

3. Symphomaniax

4. Gettin' In...

5. Howl's Moving Castle

6. Lloro

7. L'ingenere

8. Tot Ou Tard

9. Minor Voyage

10. Il Bandolero Stanco

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Gabriele Mirabasi CANTO DI EBANO

2008-07-09T04:51:00.001-03:00

01.Chisciotte 03:49

02.I Giardini Di Dioniso 05:24

03.Chegou 04:48

04.Eu Quero E Sossego 05:14

05.Struzzi Cadenti 04:01

06.Canto Di Ebano 05:07

07.Ve Se Gostas 02:59

08.Anni 04:24

09.Arrivederci E Grazie 05:02

10.Valsa Brasileira 03:07

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Esperanza Spalding ESPERANZA

2008-07-09T04:40:00.000-03:00

01. Ponta De Areia 05:40

02. I Know You Know 03:47

03. Fall In 03:57

04. I Adore You 07:27

05. Cuerpo Y Alma (Body & Soul) 08:02

06. She Got To You 04:29

07. Precious 04:25

08. Mela 06:58

09. Love In Time 05:47

10. Espera 04:40

11. If That's True 07:33

12. Samba Em Preludio 05:12

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Maestros de la Arquitectura Contemporanea ALVARO SIZA (1933)

2008-07-06T17:27:00.008-03:00

Centro Gallego de Arte

BIOGRAFÍA
Arquitecto portugués, nacido en Matosinhos, próximo a Oporto, en 1933. Aunque de adolescente se interesa por la pintura y la escultura, con 15 años decide su vocación de arquitecto al descubrir a Gaudí. Comienza sus estudios de arquitectura, en 1949, en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Oporto, que finalizó en 1955. Durante sus años de estudiante realiza su primer proyecto construido en 1954. Entre 1955 y 1958 colabora en el estudio del arquitecto Fernando Távora.
Imparte clases en la universidad de Oporto, desde 1966 hasta 1969, y se convierte en catedrático de construcción en 1976. Trabaja como profesor invitado y conferenciante en las Universidades de Pennsylvania, Los Andes de Bogotá, la Escuela Politécnica de Lausana, y en la Escuela Graduada de diseño de la Universidad de Harvard.
Álvaro Siza es uno de los arquitectos más conocidos del panorama arquitectónico portugués en la actualidad. Entre su amplia producción cabe destacar: el proyecto para 1.200 viviendas en la calle de Malagueira, en Évora (1977); la casa Avelino Duarte en Ovar (1981-85); el Centro Cultural de Sienes (1982-85); la Escuela Superior de Educación de Setúbal (1986-92); la nueva Escuela de Arquitectura de Oporto (1986-93); la Biblioteca de la Universidad de Aveiro (1988); el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela (1988-93); o el Centro Metereológico de la Villa Olímpica de Barcelona (1989-92), entre otros.
Entre sus proyectos urbanísticos destacan: el plan urbanístico para Macao (1983-84); el plan de recuperación de Schilderswijk, La Haya (1985); el proyecto de renovación urbana de Giudecca, Venecia (1985); la reconstrucción de la zona incendiada de Chiado (1988); o el plan urbanístico de la Praça de Espanha (1989), ambos en Lisboa.
Participa en diversos concursos internacionales, ganando: el concurso de viviendas Schlesisches Tor, Berlín (1980); el concurso para la recuperación del Campo di Marte, Venecia (1985); el concurso para la renovación del Casino y Restaurante Winkler de Salzburgo (1986); o el concurso para el Centro Cultural de la Defensa (1988-89).
Obtiene el Premio de Arquitectura de la Asociación de Críticos de Arte de Portugal en 1982, y es galardonado por la Asociación de Arquitectos Portugueses en 1987. En 1988 consigue la medalla de oro de Arquitectura del Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España; la medalla de oro de la Fundación Alvar Aalto; el premio de Diseño Urbano Príncipe de Gales de la Universidad de Harvard; y el Premio Europeo de Arquitectura de la Comunidad Económica Europea. En 1992 gana el Pritzker Prize y un año más tarde es nombrado Doctor Honoris Causa por la Escuela de Lausana.
Su obra es conocida en todo el mundo, gracias a las numerosas y variadas exposiciones -tanto individuales como colectivas- que realiza: en el Museo de Arquitectura de Helsinki (1982); en el Museo de Alvar Aalto en Finlandia (1992); en la Bienal de París (1985); en el Centro Georges Pompidou de París (1990); o en el MOPU de Madrid (1993), entre otras.

EL PENSAMIENTO ARQUITECTÓNICO
Una de las características más definitorias del pensamiento arquitectónico de Siza es la ¨hipersensibilidad topográfica¨ con la que trata sus proyectos. Para el arquitecto, cada paisaje tiene una estructura oculta, la cual habla de las tensiones y fuerzas en juego. Dichas fuerzas adoptan su primera forma material en el primer esbozo del que, como se verá a continuación, nace el proyecto.
La idea de lugar adopta tal importancia que, para Siza, la arquitectura nace del encuentro entre la idea y el lugar, es decir, del arquitecto que intervendrá sobre el lugar y el lugar en sí. Este encuentro despertará en la mente del proyectista la necesidad de imaginar cómo quedará el lugar una vez intervenido, transformado; y este pensamiento revela casi automáticamente los más mínimos detalles, antes desapercibidos, lo cual rompe los nuevos planteamientos de intervención y hace respetar toda la presencia viva que presenta el lugar.
Tomando a Alvar Aalto como punto de partida, sus edificios se basan en la creación de una topografía totalmente nueva. Sus proyectos surgen como respuestas concisas a las exigencias del lugar, aparecen como recintos acotados y no como objetos impuestos; adaptación al lugar fruto de una investigación continua y paciente y una lenta aproximación al dibujo conforme a los objetivos propios de cada trabajo; nunca son fruto de la inspiración.
Su proximidad hacia la figura de Alvar Aalto radica en el hecho de adoptar sus ideas sobre la necesidad de construir conforme a las exigencias y posibilidades de cada momento, adaptándose a ellas. De hecho, la gran cantidad de exigencias y problemas constituye una barrera que dificulta la aparición de la idea base arquitectónica; dificultades que no siempre pueden ser superadas en su totalidad, lo cual en el caso de Siza se demuestra en sus obras inacabadas, las cuales, según asegura el propio autor, no tienen nada que ver con las estética de lo inacabado, sino precisamente con la imposibilidad de superación de esas barreras que planteaba el proyecto.
Muchos de estos problemas se pueden resolver aumentando el número de personas que piensan responsablemente: se parte de la idea de la primera visita, pero la idea está en el lugar más que en la cabeza de cualquiera, y por eso el proyecto ha de surgir de la primera mirada; otras miradas se irán superponiendo, y lo que nace simple y lineal se va tornando complejo y más cercano a lo que es real.
Como se puede apreciar, el dibujo cobra en Siza un valor especial, convirtiéndose sus esbozos rápidos en un instrumento de trabajo que ayuda a tomar conciencia de la multiplicidad de las tensiones implicadas en cada respuesta a un problema concreto. Ayudan, de hecho, a establecer una relación dialéctica entre intuición y comprobación rigurosa en un progresivo proceso de completa comprensión y visualización. Para Siza, cada dibujo está destinado a captar un momento concreto de una imagen fugaz, y por ello muchas de las cosas que se dibujan fluctúan en el interior del primer esbozo sin orden aparente, aunque este orden se muestre más evidente precisamente en este complejo proceso de visualización y comprensión anteriormente mencionado. Queda claro, por lo tanto, que el dibujo es una herramienta de trabajo, pero no es arquitectura, pues en arquitectura sólo dibujar equivale a esterilizarla: la arquitectura, el proyecto, es dibujo y construcción.
Pero es tal la entidad que tiene para Siza el proyecto que llega a compararlo con un animal voluble y de patas inquietas, el cual:
"Si sus transfiguraciones no son comprendidas, o si se satisfacen sus deseos mas allá de lo esencial, se convierte en un monstruo"
"Si todo aquello que en él parece evidente y bello se fija, queda ridículo"
"Si se le contiene excesivamente, deja de respirar y muere" 1
Con lo que demuestra la evidente necesidad que se presenta en cada proyecto de dominarlo y obtener de él sus valores en la justa medida, siempre controlando el resultado final.
Como ejemplos concretos de cómo proyectar, el autor hace referencia al proyecto de una casa y al de un museo. Para Siza, el proyecto de una casa, a pesar de surgir de formas diferentes en función de la posibilidad y la capacidad de estímulos (difícil y definitivo apoyo del arquitecto), es muy similar al de cualquier otra, pues se trata de una serie de elementos que se integran en un todo único (paredes, lavabos...). Por el contrario, el proyecto de un museo requiere una especial dedicación, pues debe tener en cuenta que la luz que bañe su interior debe ser delicada e impasible, con lo que consigue no interferir en los ambientes y luces de las propias obras.
Otras características distintivas de la producción de Siza son el uso de los materiales locales, la defensa del trabajo artesano y el aprovechamiento de las sutilezas de la luz local, sin por ello excluir la forma racional y los avances de la técnica. De hecho, para Siza la tradición es un reto a la innovación, pero es innegable que la arquitectura avanza gracias al empeño de los arquitectos por emplear los nuevos materiales y técnicas, del interés por ser moderno.
Pero, evidentemente, no todo es obra de nueva planta, sino que la tarea del arquitecto es en gran medida la reconstrucción, lo cual es un problema de diferente resolución, pues el arquitecto se ha de mover entre compromiso con la cultura local y transformación, pues reconstruir un lugar provoca una lucha de tendencias que tiene gran influencia en el equilibrio cultural de las comunidades. A veces este orden se universaliza, pudiendo estar o no vinculado a los modelos de partida, pero siempre teniendo presente que las ruinas dan forma a las nuevas estructuras, las modifican. El mundo entero y su memoria dibujan continuamente la ciudad.
La obra de Siza, como resumen general, podemos caracterizarla como delicadamente situada sobre el terreno y resuelta siempre ateniéndose a unos criterios de aceptación cultural y empleo de materiales autóctonos, con un cuidado estudio de la luz y una evidente preocupación por el conservadurismo y tradicionalismo.

Obras más representativas

Jürgen Partenheimer, Centro Gallego de Arte Contemporaneo, CGAC, Santiago de Compostela, 1999
Restaurante Da Boa Nova (1958)
Piscinas en Leça de Palmeira (1966)
Schlesisches tor Housing en Berlín (1988)
Facultad de Arquitectura de Oporto (1988)
Centro meteorológico de la Villa Olímpica, Barcelona (1992)
Centro Galego de Arte Contemporánea. Santiago de Compostela (1993)
Iglesia en Marco de Canaveses (1996)
Edificio del Rectorado de la Universidad de Alicante (1997)
Pabellón de Portugal para la Exposición Universal de Lisboa (1998)
Fundación Serralves, Oporto (1999)
Casa Vieira de Castro
Poliesportiu Ribera Serrallo, en Cornellà de Llobregat (2004)
Paraninfo de la Universidad del País Vasco, Bilbao (En construcción)
Fundación Iberê Camargo, en Porto Alegre (2008)

Astor Piazzolla -Antonio Vivaldi-Gideon Kremer EIGHT SEASONS (19969

2008-07-05T05:42:00.005-03:00

1. Spring - Allegro

2. Spring - Largo

3. Spring - Allegro

4. Summer In Buenos Aires

5. Summer - Allegro non molto

6. Summer - Adagio

7. Summer - Presto

8. Autumn In Buenos Aires

9. Autumn - Allegro

10. Autumn - Adagio molto

11. Autumn - Allegro

12. Winter In Buenos Aires

13. Winter - Allegro non molto

14. Winter - Largo

15. Winter - Allegro

16. Spring In Buenos Aires

Gideon Kremer & Kamerata Baltica

Descargar de MediaFire

Astor Piazzolla RAIN OVER SANTIAGO (1976)

2008-07-05T05:29:00.001-03:00

01 - Salvador Allende
02 - Combat en la fabrica
03 - La maison de Monique
04 - Bidonville
05 - Rain over Santiago (Violin version)
06 - Rain over Santiago (Bandoneon version)
07 - Jorge adios

http://www.mediafire.com/?tj1gnbwygxv

Astor Piazzolla & Milva LIVE AT BOUFFES DU NORD (1984)

2008-07-05T05:16:00.002-03:00

Tracks

01 - Suoneranno Le Se

i02 - Los Pajaros Perdidos

03 - Decarisimo

04 - Anni Di Solitudine

05 - Balada Para Un Loco

06 - Vamos Nina

07 - Oblivion

08 - Che Tango Che

09 - Rinascero

10 - Finale (Entre Brecht Et Brel)

Personnel

Milva - Vocals

Astor Piazzolla - Bandoneon

Pablo Ziegler - Piano

Oscar Lopez Ruiz - Guitar

Fernando Suarez Paz - Violin

Hector Console - Bass

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Astor Piazzolla & Osvaldo Pugliese FINALLY TOGETHER (AMSTERDAM 1989)

2008-07-05T05:09:00.004-03:00

01. Buenos Aires hora cero

02. Tanguedia III

03. Milonga del angel

04. Camorra III

05. Preludio y fuga0

6. Sex-tet

07. Luna

08. La yumba //Adios Nonino

http://www.4shared.com/file/52224937/8c7705eb

Literatura Argentina ROBERTO ARLT (1900-1942)

2008-07-05T04:53:00.002-03:00

Semblanza de Roberto Arlt (Teodosio Fernández. Universidad Autónoma de Madrid. En interlecto.com)
Roberto Godofredo Cristophersen Arlt nació en Buenos Aires el 26 de abril de 1900, hijo de Karl Arlt, prusiano de Posen (hoy Poznan, en Polonia), y de Ekatherine Iobstraibitzer, natural de Trieste y de lengua italiana.
El carácter de su padre, un soplador de vidrio también capaz de confeccionar tarjetas postales art nouveau, no facilitó su inserción en el hogar de la familia, que abandonó en 1916. Aunque hasta esa fecha había asistido a varias escuelas, aprendió sobre todo en las calles del barrio porteño de Flores, donde transcurrió buena parte de su infancia y adolescencia.
La necesidad lo haría pintor de brocha gorda, ayudante en una librería, aprendiz de hojalatero, peón en una fábrica de ladrillos y estudiante fracasado de la Escuela de Mecánica de la Armada, por recordar algunas de las ocupaciones que llenaron sus días. Un matasellos y una máquina de prensar ladrillos le dieron las primeras y tempranas ocasiones de comprobar la escasa atención que iba a merecer su persistente carrera de inventor, pasión que había de encontrar un eco notable en su obra literaria.
En 1916 inició su trabajo de periodista, tarea con la que intentaría resolver sus problemas económicos y que le permitió relacionarse con los círculos literarios porteños. En esa fecha dio a conocer su primer cuento, "Jehová", con el que comenzó una carrera de escritor que se consolidaría desde que en 1926 dio a conocer El juguete rabioso, novela sobre un adolescente que se inicia como delincuente y termina como traidor a los suyos.
En un tiempo de aparente prosperidad para el país, esa obra parecía hablar de la crisis de los proyectos modernizadores del siglo XIX, que habían convertido a Buenos Aires en una babélica ciudad de inmigrantes, moradores de inquilinatos y conventillos cuya única realidad era la de las calles en que se desenvolvía su lucha por la vida.
Eran la cara oculta de una Argentina agitada por conflictos ideológicos y de clase, amenazada por una crisis económica inminente, observada por los militares que dominarían la escena política a partir de 1930. La excepcional lucidez de Arlt haría de esta primera obra, interpretable como la voz de los postergados por el sistema social vigente, el punto de partida de la novela argentina contemporánea.
La valoración de esas aportaciones se vio afectada durante mucho tiempo por las polémicas que agitaron la vanguardia porteña de los años veinte. Su capítulo más recordado es el de las diferencias reales o aparentes que enfrentaron a los grupos de Florida y Boedo.
Aunque mantuvo relaciones con los escritores adscritos al primero (por algún tiempo fue secretario de Ricardo Güiraldes, a quien dedicó El juguete rabioso, y colaboró en la revista Proa), Arlt no dejó de sufrir el desdén de los martinfierristas, representantes de un arte minoritario y europeizado, jóvenes cultos que parecían detentar los derechos a la tradición literaria y a la renovación.
Ese rechazo lo llevaría a ocultar sus lecturas y alardear de sus deficiencias de estilo, despreciando a quienes escribían bien y eran exclusivamente leídos por correctos miembros de su propia familia. En esa tesitura, inevitablemente había de ser relacionado con el otro bando: con quienes1942) desde el barrio popular de Boedo defendían un arte comprometido con los problemas del hombre, preferían el cuento y la novela a la poesía, y veían en la literatura una posibilidad de contribuir a la transformación de la sociedad. Pero tampoco era ése su lugar.
Las empresas colectivas no parecían interesarle, ni siquiera cuando iban encaminadas a mejorar las condiciones de vida de los desheredados. Las razones de su acusado individualismo pueden encontrarse en sus experiencias personales, que determinaron en alguna medida la visión negativa de la institución familiar y de la mujer que ofrecen sus personajes, su temor de la miseria, la fascinación ante quienes mostraran poseer la fortaleza necesaria para sobrevivir solos en un medio social hostil.
El juguete rabioso se alimentaba en buena medida de ese material autobiográfico, y descubría vidas difíciles en un Buenos Aires hasta entonces prácticamente ignorado. Las novelas Los siete locos (1929) y Los lanzallamas (1931) ampliaron después esa indagación con un tratamiento alegórico que la convertía en una reflexión sobre la sociedad argentina e incluso sobre la condición humana.
Los apodos simbólicos de algunos miembros de una sociedad secreta, financiada mediante la explotación de los prostíbulos y destinada a provocar una conflagración universal, son el indicio más evidente de la condición expresionista de esos relatos, que convierten la realidad en una fantasmagoría donde se dibujan con nitidez los perfiles de un mundo que se desmorona.
La voz burlona o cínica del narrador se encarga de parodiar ese drama hasta convertirlo en una mascarada, desde la perspectiva de quien conoce la falsedad de los valores, la inutilidad de los esfuerzos, lo insensato de las ilusiones, el fracaso inevitable de los proyectos y lo terrible del fin. De paso, es posible percibir las consecuencias de una modernidad tecnológica tan fascinante como amenazadora, de unas prácticas revolucionarias tan esperanzadoras como grotescas, de la alineación social y psicológica que padece el hombre contemporáneo.
La única salida (falsa también) se concreta en la transgresión, en la degradación que permite una absurda apariencia de ser, en la perversidad que al menos permite la certeza de existir en el mal.
En El amor brujo (1932), sin duda su novela menos comentada, Arlt insistiría aún en la presentación de personajes obsesionados por la felicidad y a los que la fantasía permite evadirse de una existencia gris.
La factura realista fue la dominante en los nueve relatos reunidos en el volumen El jorobadito (1933), próximos a las inquietudes características de las novelas citadas. Eso no impidió que algunos mostraran una proclividad hacia lo fantástico que había de acentuarse progresivamente. Aparentemente ajena a la literatura argentina, la obra de Arlt encontraría en esa dimensión la posibilidad de afirmarse en una tradición que en el Río de la Plata contaba ya con notables manifestaciones de ese signo. Arlt insistió en ella tras visitar España y Marruecos en los últimos meses de 1935 y los primeros de 1936.
Fruto de ese viaje fueron los cuentos que en 1941 reunió en El criador de gorilas: aunque también estaban presentes el África negra y algunos escenarios asiáticos de cultura islámica, las referencias geográficas remitían sobre todo a Marruecos, con preferencia por Tánger, cuyo estatuto internacional favorecía la actividad de los Servicios Secretos de distintas potencias, y por los territorios entonces sometidos al control de España. Allí fue donde Arlt se sintió fascinado por un mundo seductor y repulsivo, conjunción violenta de medioevo y modernidad, fiesta de colorido determinada por la diversidad de los tipos humanos, primitivos y refinados, generosos y crueles. Crímenes, venganzas, pasiones y otros ingredientes daban a las historias una atmósfera oriental, cuyo encanto resultaba corregido por el cinismo que una vez más solía caracterizar a los narradores, y que daba una dimensión paródica a la pretensión moralizadora o ejemplar que adoptaban en ocasiones. También afectaba a la crítica social (del fanatismo, del abuso de poder, de la avaricia) que permitían deducir.
Los relatos de El criador de gorilas alejaban a Arlt del ámbito de Buenos Aires, y parecían también ajenos a las preocupaciones metafísicas que antes eran ingrediente fundamental en las complicadas psicologías de sus personajes.
Con ese nuevo espíritu guarda relación Un viaje terrible, una "nouvelle" derivada de la estancia del escritor en Chile, en 1940, y publicada cuando regresó a Argentina en 1941.
Aquella experiencia le permitiría imaginar un viaje hacia Panamá iniciado en el puerto de Antofagasta, y que estuvo a punto de concluir trágicamente para el narrador cuando el barco navegaba frente a la costa del norte de Perú.
El relato reitera intereses manifiestos en la vida y en la literatura de Arlt. Ya en 1920, en su breve ensayo "Las ciencias ocultas en la ciudad de Buenos Aires", había mostrado esa mezcla de fascinación y sarcasmo con que se refería ahora a las artes adivinatorias o a la carta astral que parecían determinar los destinos de sus estrafalarios personajes.
También se encuentran ecos de sus inquietudes científicas del momento, ocupado como estaba en llevar a buen término el proceso de gomificación de las medias de señora del que esperaba la fama y la riqueza. La voz divertida y sarcástica del narrador, que ha emprendido esa "Travesía del Terror" forzado por sus últimas estafas, da un tono de farsa a la aventura y a sus protagonistas, cuyos deméritos y fracasos no entrañan concesión alguna al patetismo.
Un viaje terrible confirma la impresión de que Arlt optaba por indagar en territorios de imaginación que a veces parecían rondar la literatura fantástica. Curiosamente, estos relatos que completan su obra narrativa recuerdan sus principios: responden a los gustos declarados en El juguete rabioso por Silvio Astier, cuando a la edad de catorce años se abandonaba a los deleites de la literatura bandoleresca y anhelaba inmortalizarse como un delincuente de alta escuela.
Quizá las creaciones de Arlt pueden verse como una búsqueda de salida o de sublimación personal por medio de los sueños o la literatura, o eso es lo que indica su producción teatral, también relevante.
Si se deja al margen el fragmento de Los siete locos que el Teatro del Pueblo escenificó en 1932 con el título de El humillado, esa producción se inicia con 300 millones, obra representada en julio de ese mismo año por el conjunto de Leónidas Barletta.
Arlt abordaba allí el análisis de las razones que llevan a una muchacha a suicidarse, y para ello recurría a la concreción teatral de las fantasías que la habían ayudado a sobrevivir por algún tiempo: en escena aparecen Rocambole, la Reina Bizantina, el Galán, el Demonio o la Muerte, creando un clima de farsa ajeno a cualquier pretensión realista y emparentable con la factura expresionista que sus narraciones alguna vez habían conseguido.
Por otra parte, esa corporización de los sueños permitía entrever la capacidad de las ficciones para subsistir por sí mismas. Saverio el cruel y El fabricante de fantasmas, piezas estrenadas en 1836, le permitirían mostrar con precisión las relaciones entre esos fantasmas y la creación literaria.
Si 300 millones hablaba de la imaginación como una posibilidad de supervivencia, sublimando las frustraciones de una existencia mediocre, El fabricante de fantasmas dio vida a los que atormentaban a un dramaturgo, ahora hasta llevarlo al suicidio. Como esos fantasmas eran a la vez el fruto de la imaginación y de los remordimientos de un escritor, la literatura se mostraba capaz de revelar las dimensiones profundas de la personalidad, a la vez que el juego entre la imaginación y la realidad convertía al autor y a sus personajes en una sucesión de máscaras sin identidad precisa.
En esa idea insistiría Saverio el cruel, apelando al recurso pirandelliano del teatro dentro del teatro para conjugar una broma canallesca con la reflexión sobre la farsa de las relaciones y las ilusiones humanas y el análisis de los mecanismos del poder, hasta dar al conjunto una dimensión trágica.
Arlt estrenó La isla desierta en 1937, África en 1938, y La fiesta del hierro en 1940. A esas obras hay que sumar Prueba de amor, "boceto teatral irrepresentable ante personas honestas" que se editó en 1932, las "burlerías" La juerga de los polichinelas y Un hombre sensible publicadas en 1934, y El desierto entra en la ciudad, una farsa dramática que Arlt concluyó poco antes de morir en Buenos Aires, el 26 de julio de 1942.
De esas obras, que dan a su autor un lugar de notable relieve en la vanguardia teatral argentina, merece especial atención África, cuyos cinco actos van precedidos de un exordio en el que Baba el Ciego, un "jefe de conversación", declara su intención de narrar las historias que luego conforman la obra.
África se propone así como una ficción dramática que a su vez genera otras, y afirma su relación con la práctica oral del relato que Arlt había observado en el norte de África y que también inspiró los cuentos de El criador de gorilas.
Arlt había escrito para el diario El Mundo, donde empezó a trabajar en 1928, las Aguafuertes porteñas que reunió parcialmente en un volumen publicado con ese título en 1933. El mismo periódico lo envió a España y Marruecos en 1935-1936, y antes y después a Uruguay y Brasil, en 1930, y a Chile, en 1940.
Entre las crónicas de viaje escritas a raíz de esas experiencias, sobresale la selección y publicación en 1936 de sus Aguafuertes españolas (1ª parte. Impresiones), además de los artículos en que dejó constancia de los rudos trabajos de las campesinas marroquíes, de su visión crítica de determinadas costumbres árabes, y de la fascinación que también llevaría a sus relatos y a su teatro.
Las aguafuertes de El Mundo constituyen la parte de mayor interés literario en una producción periodística que incluyó también las notas redactadas en 1926 para la revista Don Goyo, así como las crónicas policiales escritas en 1927 y 1928 para el diario Crítica.
Esa producción permite comprobar la gran capacidad de su autor para adentrarse en los problemas sociales y políticos de su tiempo, y para exponerlos con imaginación y rigor: no sólo los que afectaron a la Argentina de su época, sino también los que pudo observar en los países por los que viajó y los que determinaban la atmósfera internacional cada vez más enrarecida que llevó a la segunda guerra mundial.

Norah Jones COME AWAY WITH ME

2008-07-04T19:09:00.001-03:00

01 - Don't Know Why
02 - Seven Years
03 - Cold Cold Heart
04 - Feeling' The Same Way
05 - Come Away With Me
06 - Shoot The Moon
07 - Turn Me On
08 - Lonestar
09 - I've Got To See You Again
10 - Painter Song
11 - One Flight Down
12 - Nightingale
13 - The Long Day Is Over
14 - The Nearness Of You

http://rapidshare.com/files/122491950/With_Me.rar

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Norah Jones NOT TOO LATE (2007)

2008-07-04T18:31:00.003-03:00

1. Wish I Could
2. Sinkin' Soon
3. The Sun Doesn't Like You
4. Until The End
5. Not My Friend
6. Thinking About You
7. Broken
8. My Dear Country
9. Wake Me Up
10. Be My Somebody
11. Little Room
12. Rosie's Lullaby
13. Not Too Late

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Norah Jones STAY WITH ME (2008)

2008-07-04T18:17:00.003-03:00

1. Day Is Done

2. Peace

3. What Am I To You

4. No Easy Way Down

5. More Than This

6. Something Is Calling You

7. I'll Be Your Baby Tonight

8. Ruler Of The Day

9. In The Dark

10. Butterflies

11. Wait

12. In A Whisper

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Stanley Clarke SCHOOL DAYS

2008-07-02T05:58:00.001-03:00

Stanley Clarke: Bajo y contrabajo

Billy Cobham: Batería

John McLaughin: Guitarra eléctrica

George Duke: Teclados

David Sancious: Teclados

Gerry Brown: Percusión

1.-School Days

2.-Quiet Afternoon

3.-The Dancer

4.-Desert Song

5.-Hot Fun

6.-Life is Just a Game

http://rapidshare.com/files/47329979/Stanley_Clarke.zip

Stanley Clarke JOURNEY TO LOVE

2008-07-02T05:48:00.002-03:00

1. Silly Putty

2. Journey to Love

3. Hello Jeff

4. Song to John, Pt. 1

5. Song to John, Pt. 2

6. Concerto for Jazz/Rock Orchestra, Pt. 1-4

Stanley Clarke: Bajo, contrabajo, guitarra, órgano y sintetizador

Jeff Beck: Guitarra eléctrica

Chick Corea: Piano y teclado

George Duke: Teclado, sintetizadores y voz

Earl Chaplin: Trompa

John Clark: Trompa

Jon Faddis: Trompeta

Steve Gadd: Batería

Peter Gordon: Trompa

Lenny White: Batería

John McLaughlin: Guitarra

David Sancious: Guitarras

Tom Malone: Trombón

Wilmer Wise: Trompa

David Taylor: Trombón

Alan Rubin: Trompeta

Lew Soloff: Trompeta

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Stanley Clarke STANLEY CLARKE

2008-07-02T05:43:00.001-03:00

Stanley Clarke - Acoustic & electric basses, vocals, piano

Jan Hammer - Acoustic & electric pianos, organ, Moog synthesizer

Bill Connors - Acoustic & electric guitars

Tony Williams - Drums

Airto - Percussion

Peter Gordon, Daid Taylor, Jon Faddis, James Buffington, Lew Soloff, Garnett Brown - Brasses
Lista de temas:

1. Vulcan Princess – 4:00

2. Yesterday Princess (Clarke, Carolyn Clarke) – 1:41

3. Lopsy Lu – 7:03

4. Power – 7:20

5. Spanish Phases for Strings & Bass (Michael Gibbs) – 6:26

6. Life Suite"

Part I - 1:51

Part II - 4:12

Part III - 1:03

Part IV - 6:41

http://www.mediafire.com/download.php?rm2jmxmmyqc

Kurt Elling UN REFERENTE DEL JAZZ VOCAL

2008-07-01T20:39:00.002-03:00

En tan sólo ocho años, Kurt Elling, se ha convertido en el referente más importante del jazz vocal masculino actual. Un músico que carece de una formación musical clara pero que, sin embargo, a base de mucho tesón, arduo trabajo, grandes cualidades intelectuales y una curiosidad que no descansa se ha situado en uno de los peldaños más altos del mundo jazzistico acaparando éxito de público y el beneplácito de la crítica más exigente.
Ya en el año 1995 alcanzóo el visto bueno de un coloso como Blue Note que editó, con el añadido de algunos temas, una maqueta que Elling presentara, bajo el nombre de Close Your Eyes. En este trabajo Kurt muestra todas sus cartas: buen gusto en la elección del repertorio y de los acompañantes (al frente de los cuales se coloca su inseparable Laurence Hobgood), grandes dotes poéticas en la redacción de las letras y coqueteos con la generación beat, un uso brillante del scat y una forma de interpretar vocalese en la onda de Mark Murphy y, finalmente, una técnica vocal curtida en distintos escenarios de la ciudad de Chicago que incorpora detalles muy particulares especialmente en cuanto a dinámica se refiere.
Alcanzar una nominación a los premios Grammys en su primer trabajo no es algo de lo que puede presumir cualquier músico, si bien Kurt Elling, hasta la fecha, ha conseguido nominaciones en cada uno de sus discos, hasta la bonita suma de seis. Su segundo album The Messenger venía a confirmar las espectativas puestas en su primer CD y daba una botefada a los que pensaron que se trataba de una estrella de un solo día. Este segundo CD recoge una de las muestras más sinceras y descarnadas del vocalese con una versión que supera los diez minutos del Tanya Jean de Dexter Gordon para cuyo larguísimo solo Elling escribe y canta una soberbia letra.
Su imagen de hipster se vió edulcorada por su matrimonio con una bailarina profesional llamada Jennifer. Uno de las muestras más evidentes de este hecho fué que en sus conciertos dejó de practicar tan a menudo una técnica que sus amigos llamaban ranting consistente en improvisar melodias con letras improvisadas también en mitad de un tema o, incluso, en solitario (algunas muestras de esto se pueden escuchar en The Beauty Of All Things y en The Messenger del album del mismo nombre) que, en los directos, se convertían, en palabras del propio cantante, en auténticas sesiones de terapia. Incluso su siguiente album, This Time It's Love abordaba un material romántico y un enfoque ajeno a sus trabajos anteriores. Sin embargo la calidad del mismo seguía siendo muy elevada.
Tras tres discos en estudio Kurt Elling acometió la producción de su primer CD en directo y escogió, como no podí ser de otra forma, el Green Mill de Chicago, club de Jazz en el que sigue actuando semanalmente siempre que sus cada vez más frecuentes giras se lo permiten. Para la ocasión contó con Jon Hendricks, maestro y padre del vocalese, y el saxofonista nativo de Chicago Von Freeman. Entre el repertorio algunos de sus temas anteriores y algunas nuevas composiciones. Además se guardó experimentos como Resolution, vocalese sobre el original de Coltrane, y un Dolores Dream de 16 minutos de duración para un Live In Chicago - Out Takes que solamente se puede adquirir a través de su página web (ver nuestra sección de links) y recomendado solamente para oyentes amantes de las vanguardias.
Flirting With Twilight seguía en la tónica de su anterior album de estudio aunque incluía un nuevo tributo al trio Lambert, Hendricks & Ross con la inclusión de Lil' Darlin'. Su último proyecto, Man In The Air, nos trae al Elling de sus primeros discos pero menos histriónico y más maduro abordando temas de Metheny, Hancock, Coltrane y Zawinul y es, sin la menor duda, su mejor disco hasta el momento.
Además de su faceta como cantante desarrolla una amplia labor como escritor trabajando en proyectos para distintos teatros y ha demostrado ser un emprendedor (y empresario) de primera linea agrupando en torno a sí a Jon Hendricks, Mark Murphy y Kevin Mahogany con un proyecto que se presenta con el nombre de Four Brothers y que pasó por España el pasado verano.

Leer mas sobre Kurt Elling

http://www.tomajazz.com/perfiles/elling/kurt_elling_entrevista.htm

Kurt Elling NIGHTMOVES

2008-07-01T14:21:00.002-03:00

Nightmoves.
Tight.
Change Partners/If You Never Come To Me.
Undun.
Where Are You My Love.
And We Will Fly.
Waking.
Sleepers.
Leaving Again/In The Wee Small Hours.
New Body And Soul.
I Like The Sunrise.

http://www.zshare.net/download/488640008113a9/

Kurt Elling LIVE IN CHICAGO

2008-07-01T14:11:00.003-03:00

Tracklist
01. Downtown (3:50)

02. My Foolish Heart (12:17)

03. Smoke Gets in Your Eyes (8:29)

04. Oh My God (3:51)

05. Night Dreamer (8:5

06. (I Love You) For Sentimental Reasons (5:20)

07. Introduction: Esperanto (1:44)

08. Esperanto (5:16)

09. Don’t Get Scared (3:3

10. Introduction: Goin’ to Chicago (0:44)

11. Goin’ to Chicago (5:39)

12. Introduction: The Rent Party (0:43)

13. The Rent Party (8:1 14. Blues Chaser (1:30)

http://rapidshare.com/files/159641/KE-LIC.rar

Maestros de la Arquitectura Contemporanea ALVAR AALTO ( Finlandia 1898-1976)

2008-06-29T06:44:00.004-03:00

Alvar Aalto

Alvar Aalto Imagenes de The Bakers House

Biografía: Arquitecto y diseñador finés, uno de los más destacados del siglo XX, logró dotar al racionalismo puro, tanto en sus edificios como en sus muebles, de un encanto y calidez poco comunes. Aalto nació el 3 de febrero de 1898 en Kuortane, y se graduó en la Escuela Politécnica de Helsinki. Sus primeros edificios famosos son las oficinas e imprenta de un periódico en Turku (1927-1930), célebre por las columnas afiladas que sostienen el techo de la sala de prensa; la biblioteca de Viipuri, que se ha convertido en ejemplo de este tipo de edificios para la arquitectura moderna; y el sanatorio antituberculoso de Paimio (1929-1933), donde, además de los avances tecnológicos, los pacientes disfrutan de elementos arquitectónicos como los soleados balcones, abiertos hacia unas magníficas vistas. Para éste y para otros muchos edificios, Aalto y su primera mujer, Aino Marsio, diseñaron la decoración y los muebles, casi siempre de madera laminada. En 1935 fundaron la empresa Artek, que todavía hoy produce un mobiliario innovador. La reputación internacional de Aalto creció con una serie de edificios anteriores a la II Guerra Mundial, todos ellos realizados con estructuras de madera, como el Pabellón de Finlandia de la Exposición Internacional de París de 1937 o la Villa Mairea (1938-1939), construida para un cliente acomodado, en donde además consigue, siguiendo los principios de la arquitectura racionalista, una sensación de lujo hasta entonces nunca lograda. Llegó a los Estados Unidos en 1940 como profesor invitado por el Massachusetts Institute of Technology (MIT), y allí permaneció ocho años, durante los cuales proyectó la Baker House (1947), una sorprendente residencia cuya planta serpentea junto al río Charles. Aalto regresó a Finlandia en 1948 para dirigir la Oficina de Reconstrucción de este país, después de la devastación producida por la II Guerra Mundial. Ideó para Säynätsalo, una villa isleña, el Ayuntamiento (1950-1952), de ladrillo y madera, elevado sobre un podium. De los edificios de Aalto en Helsinki, el más impresionante es la Casa de la Cultura (1967-1975), situada a la orilla del lago. Aalto murió el 11 de mayo de 1976, en Helsinki

Van Morrison WHAT'S WRONG WITH THIS PICTURE

2008-06-29T06:06:00.003-03:00

Tracklist

01 - What's Wrong With This Picture?

02 - Whinin Boy Moan

03 - Evening In June

04 - Too Many Myths

05 - Somerset

06 - Meaning Of Loneliness

07 - Stop Drinking

08 - Goldfish Bowl

09 - Once In A Blue Moon

10 - Saint James Infirmary

11 - Little Village

12 - Fame [05:21]

13 - Get On With The Shoe

http://www.badongo.com/file/3842321 .... part 1

.http://www.badongo.com/file/3842301 .... part 2.

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Van Morrison & Mose Allison TELL ME SOMETHING

2008-06-29T05:57:00.003-03:00

TRACKS

1. One Of These Days

2. You Can Count On Me

3. If You Live

4. Was

5. Look Here

6. City Home

7. No Trouble Livin'

8. Benediction

9. Back On The Corner

10. Tell Me Something

11. I Don't Want Much

12. New Nightclub

13. Perfect Moment

MUSICIANS

Van Morrison (vocals, harmonica)

Mose Allison, Ben Sidran (vocals, piano)

Georgie Fame (vocals, Hammond B-3 organ)

Producers: Van Morrison, Ben Sidran, Georgie Fame.

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Literatura Argentina JULIO CORTAZAR (1914-1984)

2008-06-29T05:42:00.002-03:00

Julio Cortázar nació en Bruselas el 26 de Agosto de 1914, de padres argentinos. Llegó a la Argentina a los cuatro años. Paso la infancia en Bánfield, se graduó como maestro de escuela e inició estudios en la Universidad de Buenos Aires, los que debió abandonar por razones económicas. Trabajó en varios pueblos del interior del país. Enseño en la Universidad de Cuyo y renunció a su cargo por desavenencias con el peronismo. En 1951 se alejó de nuestro país y desde entonces trabajó como traductor independiente de la Unesco, en París, viajando constantemente dentro y fuera de Europa. En 1938 publicó, con el seudónimo Julio Denis, el librito de sonetos ("muy mallarmeanos", dijo después el mismo) Presencia. En 1949 aparece su obra dramática Los reyes. Apenas dos anos después, en 1951, publica Bestiario: ya surge el Cortázar deslumbrante por su fantasía y su revelación de mundos nuevos que irán enriqueciéndose en su obra futura: los inolvidables tomos de relatos, los libros que desbordan toda categoría genérica (poemas-cuentos-ensayos a la vez), las grandes novelas: Los premios (1960), Rayuela (1963), 62/Modelo para armar (1968), Libro de Manuel (1973). El refinamiento literario de Julio Cortázar, sus lecturas casi inabarcables, su incesante fervor por la causa social, hacen de él una figura de deslumbrante riqueza, constituída por pasiones a veces encontradas, pero siempre asumidas con él mismo, genuino ardor. Julio Cortazar murió en 1984 pero su paso por el mundo seguirá suscitando el fervor de quienes conocieron su vida y su obra.
Entre sus obras:

Los Reyes (1949)
Bestiario (1951)
Final de Juego (1956)
Continuidad de los parques
No se culpe a nadie
Las armas secretas (1959)
Los premios (1960)
Historias de Cronopios y de Famas (1962)
Instrucciones para subir una escalera
Historias de Cronopios y de Famas
Conducta en los velorios
Rayuela (1963)
del capítulo 7
del capítulo 68
Todos los fuegos el fuego (1966)
La vuelta al día en ochenta mundos (1967)
la máquina para leer Rayuela y otras historias
62/Modelo para armar (1968)
Último round (1969)
La prosa del Observatorio (1972)
Libro de Manuel (1973)
Octaedro (1974)
Alguien anda por ahí (1977)
Territorios (1978)
Un tal Lucas (1979)
Lucas, sus pudores
Quremos tanto a Glenda (1980)
Deshoras (1982)
Nicaragua tan violentamente dulce (1983)
Los autonautas de la cosmopista (1983, escrito con Carol Dunlop)
Divertimento (1986)
El Examen (1986)
Diario de Andrés Fava (1995)
Adiós Robinson (1995)

Links sobre Cortazar

La página del Cronopio
Julio Cortázar Textual
Literatura Latinoamericana
¿Qué es un cronopio?
Axolotl
El perseguidor
El Website de Julio Cortázar

Chet Baker Trio THIS IS ALWAYS

2008-06-28T19:35:00.003-03:00

Personnel:

Chet Baker- trumpet, vocals

Doug Raney- guitar

Niels Pedersen- bass

Tracks:

1. How Deep Is The Ocean (I.Berlin) 11:17

2. House Of Jade (W.Shorter) 7:43

3. Love For Sale (C.Porter) 10:31

4. This Is Always (O.Coleman) 9:15

5. Way To Go Out (previously unissued) (S.Urso) 10:03

Descargar 1

Descargar 2

Chet Baker Trio DAYBREAK

2008-06-28T19:29:00.002-03:00

1. For Minors Only
2. Daybreak
3. You Can't Go Home Again [#]
4. Broken Wing
5. Down

Chet Baker (tp)

Doug Raney (g)

Niels-Henning Orsted Pedersen (b)

http://www.mediafire.com/?ccmmoztd4bw

Chet Baker Trio SOMEDAY MY PRINCE WILL COME

2008-06-28T19:20:00.002-03:00

Traks
1. Gnid
2. Love Vibrations
3. Sad Walk
4. Someday My Prince Will Come
5. I'm Old Fashioned
6. In Your Own Sweet Way

Chet Baker (tp)

Doug Raney (g)

Niels-Henning Orsted Pedersen (b)

http://www.mediafire.com/?32lms4hxtzm

Chet Baker & Enrico Pieranunzi THE HEART OF THE BALLAD

2008-06-28T19:04:00.003-03:00

Chet Baker, trumpet

Enrico Pieraninzi, piano
Tracks:

1. But Beautiful [1st take]

2. But Beautiful [2nd take]

3. But Beautiful [3rd take]

4. My Old Flame

5. The Thrill Is Gone

6. Here’s That Rainy Day

7. If You Could See Me Now

8. All The Way

9. But Beautiful [4th take]

10. Darn That Dream

http://lix.in/15e43fbe

Chet Baker CHET

2008-06-28T18:55:00.003-03:00

1. Alone Together

2. How High The Moon

3. It Never Entered My Mind

4. 'Tis Autumn

5. If You Could See Me Now

6. September Song

7. You'd Be So Nice To Come Home To

8. Time On My Hands (You In My Arms)

9. You And The Night And The Music

Extra track

10. Early Morning Mood

http://rapidshare.com/files/120384501/CB_Chet.rar.html

Lila Downs MUSICA ENTRE DOS FRONTERAS

2008-06-27T16:27:00.003-03:00

La música de Lila Downs pertenece a las dos riberas del Río Grande: México y Estados Unidos. Heredera de dos culturas, la mexicana y la norteamericana, la cantante de Oaxaca recupera y reinventa la música tradicional mexicana.
¿World Music? Downs acepta esta etiqueta en la medida en que también se aplica a la música de Madredeus, Cesária Evora o Marisa Monte. En cualquier caso, el canto indio mixteca, la ranchera, el corrido o el bolero adquieren en su voz -capaz de afrontar con la misma naturalidad un aria de ópera que un blues- una nueva dimensión a través de la fusión con instrumentos y arreglos procedentes de otros estilos musicales, como el jazz, el blues o la bosa nova.
Hija de un norteamericano, de origen escocés, y de una mujer mixteca, Lila comenzó a cantar con mariachis a los ocho años. A los catorce inició sus estudios de canto en la ciudad de Los Angeles, California, y continuó estudiando en la ciudad de Oaxaca de Juárez. Volvió nuevamente a Minnesota donde estudió canto y antropología social en la Universidad de Minnesota.
Durante el ‘93, actuó en clubes de jazz de Filadelfia y Oaxaca, y en 1994 grabó sus primeros temas. Dos años después, una de las canciones ganó el premio otorgado por una emisora de radio de Filadelfia a la mejor composición de jazz latino. En el ‘96, grabó su segundo disco: “En vivo, con Lila Downs”. Paralelamente, participó en una película sobre la vida de Pancho Villa dirigida por Edward James Olmos.
“La sandunga”, editado en 1997, es su primer trabajo realizado a partir de la música tradicional de Oaxaca. “Yutu Tata” (Árbol de la vida), el siguiente, está inspirado en las imágenes de los códices mixtecos. Sus letras -cantadas en castellano y en lenguas indígenas como el mixteca, el zapoteca o el maya- constituyen un testimonio de misticismo y la filosofía del México prehispánico.
Al respecto Lila destacó que "uno de los temas que más me interesa es pensar que podemos seguir retomando la cultura indígena y, al mismo tiempo, vivir una realidad moderna. Junto con otros compañeros de las comunidades triquis, mixtecas y zapotecas de Oaxaca, he crecido pensando que todas nuestras comunidades indígenas necesitan una autonomía política y legal, y un gran respeto de parte de todos. Sus lenguas e ideas de nación deben permanecer, sin olvidarnos de lo que ocurre en el mundo, porque formamos parte de este todo."
En 2001 publicó el álbum “La Línea” con un repertorio de canciones inspiradas por la vida en la frontera, la lucha de los trabajadores migrantes, y los sufrimientos y el racismo que han padecido las comunidades indigenas. Meses después colaboró en la banda original de sonido de la película Frida, la cual obtuvo un Oscar en su categoría. Precisamente, en la ceremonia de entrega de estos premios, Lila Downs cantó junto a Caetano Veloso el tema incluído en el film.

http://www.liladowns.com/

Lila Downs ARBOL DE LA VIDA

2008-06-27T16:20:00.003-03:00

01 - Simuna

02 - Nueve Viento

03 - Arenita Azul

04 - La Iguana

05 - Yunu Yucu Ninu

06 - Xquenda

07 - Nueve Hierba

08 - Tres Pedernal

09 - Luna

10 - Semilla de Piedra

11 - Árbol de la Vida

12 - Icnocuicatl

13 - Uno Muerte

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Lila Downs LA CANTINA

2008-06-27T16:14:00.002-03:00

1. La Cumbia Del Mole

2. El Corrido De Tacha "La Teibolera"

3. Agua De Rosas

4. Tu Recuerdo Y Yo

5. La Cama De Piedra

6. El Relampago

7. Penas Del Alma

8. La Tequilera

9. Pa' Todo El Año

10. El Centenario

11. La Noche De Mi Mal

12. Arboles De La Barranca

13. La Cumbia Del Mole14.

Yo Ya Me Voy

15. Amarga Navidad

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Lila Downs LA LINEA (THE BORDER)

2008-06-27T16:07:00.002-03:00

Temas:

1. Mi Corazon Me Recuerda

2. El Feo

3. Sale Sobrando

4. Corazoncito Tirano

5. La Nina

6. Hanal Weech

7. Medley: Pastures Of Plenty/This Land Is Your Land/Land

8. La Linea

9. El Bracero Fracasado

10. Transito

11. Smoke (Acteal)

12. La Martiniana

13. Soy Pescador

14. La Llorona

15. Perhaps, Perhaps, Perhaps

http://rapidshare.com/files/119720303/li-D-L-_linea.rar.html

Willy Gonzalez y Micaela Vita ARES Y MARES

2008-06-27T15:56:00.002-03:00

Músicos:

Willy González : Bajo 6 cuerdas

Micaela Vita : Voz

Invitado:Franco Luciani : Armónica

TrackList:

01 - Duerme negrito (canción) - Anónimo

02 - El bailarín de los montes (gato) - Peteco Carbajal

03 - Baguala de Juan Poquito Walsh - Maria Elena Walsh

04 - Criollita santiagueña (zamba) - Atahualpa Yupanqui/Andrés Chazarreta

05 - Viejas promesas (chaya) - Peteco Carbajal

06 - El tímido (gato) - Raul Carnota

07 - Zamba para Mercedes - Willy González/Teresa Parodi

08 - Fina estampa (valse por marinera) - Chabuca Granda

09 - Para Hugo Díaz (chamamé lento) - Willy González

10 - Balderrama (zamba) - Cuchi Leguizamón/Manuel J. Castilla

11 - Mi charango (huayño) - Willy González/Fortunato Ramos

12 - Chacarera de un triste - Hermanos Simón

13 - Zamba del abuelo - Willy González/Anónimo Chileno

14 - El avenido (huayño) - Cuchi Leguizamón15 - Recuerdos de Ypacaraí (guaranía) - Demetrio Ortiz/Z. de Mirkin

http://rapidshare.com/files/69537325/Willy_Gonzalez_y_Micaela_Vita_-_2005_-_Ares_y_Mares.zip

Willy Gonzalez TUPA

2008-06-27T15:47:00.002-03:00

Personal:

Willy Gonzalez : Bajo

Juan D'argenton : Piano y Bandoneón

Mario Gusso : Percusión

Fernando Barragán : Aerófonos

Pepe Luna : Guitarra y Charango

Invitados:

Raúl Carnota

Rodolfo Sánchez

Néstor Acuña

Laura Peralta

TrackList:

01 - Dos tipitos

02 - Malambeando

03 - El funeral

04 - De festejo

05 - Hermano Guevara (Julio Cortázar/WG/Coplas de Salta)

06 - El hornerito (Ernesto Montiel)

07 - Chacarera de un triste (Hnos. Simón/Coplas de Jujuy)

08 - Milonga del niato

09 - Tupa (Tonada de Tucumán)

10 - Canción de río

11 - Sabiéndote (Pepe Luna)

12 - Las criollitas - intro (Sanjuanito de Quinchuqui)

http://rapidshare.com/files/70918096/Willy_Gonzalez_-_2001_-_Tupa.zip

Willy Gonzalez BAJISTA ARGENTINO

2008-06-27T15:42:00.003-03:00

Willy Gonzalez Willy González sorprende al oyente en más de un sentido. Quien no lo conoce y se deja llevar por la imagen que emana de sus fotografías, por ejemplo, podría esperar encontrarse sobre el escenario a una especie de émulo de John Patitucci, particularmente teniendo en cuenta que Willy usa exclusivamente el mismo Yamaha de seis cuerdas que emplea el famoso bajista norteamericano. Pero Willy lo sorprenderá con un estilo que no le debe tanto a los próceres extranjeros del instrumento como a los músicos más viscerales de este rincón del mundo, y no necesariamente a los bajistas.

El oyente imprevisto también podría esperar encontrarse con una música rígidamente moldeada según los dictados de Berklee o un reflejo de las últimas tendencias compositivas de la música instrumental contemporánea extranjera. Pero Willy lo sorprenderá nuevamente cuando, armado con su Yamaha, encare chacareras, zambas, chamamés, festejos, marineras y otros ritmos típicos latinoamericanos con una autenticidad y una honestidad propias de alguien que sabe que se expresa en su lengua nativa y tiene una historia propia que contar.

Willy nos cuenta sobre sus influencias: ¿Sos un músico formado en la escuela del jazz fusión, o eso es inexacto? WG: Relativamente. Para mí, “formación” implica la música que escuchás de pibe. Y digamos que en la medida en que me fui haciendo músico fui tocando la música que se me fue presentando. La música que más me marcó de pibe fue la de Mercedes Sosa, (Astor) Piazzolla, los Beatles en menor medida, algunas cosas de Violeta Parra, en fin, la música popular latinoamericana, que era lo que escuchaban mis viejos. Y por otra parte una cosa muy fuerte para mí fue recorrer el país escuchando esa música. Vi mucho paisaje de pibe. Y cuando pintó la cosa de tocar, que fue una cosa casual dado que empecé a tocar por una propuesta de mi hermano, empecé a tocar la música de los discos que traían a casa los amigos de mi hermano, y eso era rock sinfónico: King Crimson, Yes, Gentle Giant, Premiata Fornería Marconi que era un grupo italiano, algunas cosa de Charly García, La Máquina de Hacer Pájaros, Crucis …como te decía, fui tocando lo que se me presentaba. Si hubiera tenido en mi familia o en mi círculo de amigos alguien que tocara folklore, seguramente hubiera empezado mucho antes, porque es una música que siempre me gustó. Lo que pasa es que en mi generación, y en Buenos Aires, eso no era para nada común. Eso con los años fue reapareciendo. Por ejemplo al escuchar el grupo de Dino Saluzzi con Matías González y Quique Sinesi, el trío de Jorge Cumbo, o al quinteto de Astor (Piazzolla). A esos músicos los vi en vivo y marcaron mucho mi formación. Formación que no fue muy acompañada por mis profesores, quienes fueron bastante raros en ese aspecto. Salvo Francisco Rivero, que me enseñó mucho y desinteresadamente, mis profesores fueron bastante mezquinos en eso. Lo que más aprendí fue aquello que vi arriba de un escenario. Y obviamente por haber estudiado; todo lo que veía en un concierto me enfermaba tratando de sacarlo, o de incorporar el concepto, al día siguiente. Eso, por suerte, lo pude acompañar con un correcto aprendizaje de lectoescritura musical, y un poco a los ponchazos fui supliendo la falta de una guía o de un maestro.

Willy Gonzalez Cuarteto AGUA

2008-06-27T15:36:00.003-03:00

Willy González: composición, bajo de 6 cuerdas, siku y voz.

Pepe Luna: guitarra y charango.

Hernán Crespo: acordeón.

Mario Gusso: batería y percusión.

Artistas invitados:Micaela Vita: voz en "Yasy Yateré".

Sebastián Villalba: voz en "Minerito".

Rodolfo Sánchez y Bam-Bam Miranda: bombo legüero y cajón peruano en "Malambeando",

01 Señorita -huayño- (Willy González)

02 Zamba para la compañera (Willy González)

03 Papá blanco -festejo- (Willy González)

04 Agua (Willy González)

05 Barra do Ribeiro -murga- (Ginha Ramires)

06 Minerito -huayño- (anónimo boliviano)

07 La demorada -chacarera- (Willy González)

08 Yasy Yateré -chamamé lento- (Mario Prieto Linares/Willy González)

09 Valseadito para Mariátegui (Willy González)

10 Saya nueva (Willy González)

11 Sin apuro -chamamé- (Willy González)

Bonus track.:12 Malambeando (Willy González)

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Willy Gonzalez PERGAMINO

2008-06-27T15:31:00.002-03:00

1. Sencillito

2. Pinkullada

3. Por la infancia

4. 6/8

5. Pergamino

6. Con el paragolpe flojo

7. Bajo tierra

8. Domingo de tonga

9. Zamba del Abuelo

10. Pájaro

11. Uno nunca sabe

12. La Milonga

13. La Vieja

14. El bailarin de los montes

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Literatura Argentina MANUEL PEYROU

2008-06-25T08:34:00.003-03:00

El 23 de mayo de 1902, hace mas de cien años, nació en San Nicolás de los Arroyos, provincia de Buenos Aires, el cuentista y novelista Manuel Peyrou, a quien la Academia Argentina de Letras designó miembro de número el 5 de abril de 1972. Presentado por Ricardo Sáenz-Hayes, Jorge Luis Borges, Francisco Luis Bernárdez y Carlos Mastronardi, ocupó el sillón Joaquín V. González, vacante por el fallecimiento de Arturo Marasso, pero no llegó a pronunciar su discurso de in corporación. Murió dos años después, en 1974.
Manuel Peyrou se graduó en la Facultad de Derecho, de Buenos Aires, pero nunca ejerció la abogacía. Durante su juventud trabajó en los ferrocarriles -entonces, ingleses- mientras, fervoroso lector de la narrativa en lengua inglesa, maduraba su vocación literaria. En 1935, con su cuento «La noche incompleta», inició su colaboración en La Prensa, diario cuya redacción pasó a integrar poco después, primero como redactor y, luego, como editorialista e integrante del suplemento literario, función que cumplía al alcanzarlo la muerte.
Su primer libro, La espada dormida, cuentos policiales publicados en 1944, y la novela El estruendo de las rosas, también de índole policial, publicada en 1948, habían llamado la atención de Jorge Luis Borges, con quien Peyrou mantuvo posteriormente una amistad nunca interrumpida. Fue Borges quien lo vinculó con Sur y le encargó la sección de crítica cinematográfica en Los Anales de Buenos Aires, revista que el autor de El Aleph dirigía y desde la que dio a conocer —108→ los primeros trabajos de escritores que, con el transcurrir del tiempo, llegaron a ser nombres significativos de nuestra historia literaria; uno de ellos: Julio Cortázar.
Mientras ejercía el periodismo, Peyrou siguió desarrollando una labor literaria merecedora de importantes reconocimientos. Su primer libro, La espada dormida, obtuvo un premio municipal; en 1953, publicó La noche repetida, cuentos; en 1957, Las leyes del juego, novela a la que se adjudicó el Tercer Premio Nacional; en 1959, El árbol de Judas, cuentos distinguidos con el premio Ricardo Rojas; en 1963, Acto y ceniza, novela; en 1966, Se vuelven contra nosotros, novela, Segundo Premio Municipal; en 1967, Marea de fervor, cuentos; y en 1969, El hijo rechazado, novela, Segundo Premio Nacional de Literatura. Peyrou obtuvo también la Medalla de Oro del Consejo del Escritor correspondiente al decenio 1951-1960 y el Primer Premio en el Certamen Nacional de Cuentos que realizó, en 1956, la Dirección General de Cultura por su cuento «La desconocida».
El relato de detectives, especie literaria que cultivó durante su primera etapa de escritor, fue el género en el que llegó a producir sus mejores páginas. Sin desmedro de su estilo personal, esos libros iniciales lo acercaban espiritualmente a Chesterton y a O'Henry, para quienes la complejidad y la destreza del razonamiento deductivo se amalgamaban con el ejercicio del ingenio y la ironía. Los cuentos policiales de Peyrou figuran en varias antologías argentinas y extranjeras. Entre las últimas, pueden citarse: Los más bellos cuentos del mundo, editada en Madrid por el Reader Digest, y la Antología de escritores argentinos, publicada en 1970, en Grecia, por Jorge Humuziadis. Asimismo, su novela El estruendo de las rosas fue traducida al inglés, editada por Herder and Herder, de los Estados Unidos, que también incluyó su cuento «Julieta y el mago» en una antología de cuentos hispanoamericanos.
Después de haber incursionado en el relato policial, con el éxito del que hemos dado cuenta, Manuel Peyrou enfrentó la difícil empresa de la narración psicológica y testimonial. Preocupado por la realidad política del país y por la decadencia de las costumbres, registró en sus novelas, sin ninguna complacencia, las formas negativas del devenir político argentino. Las leyes del juego, Acto y ceniza y El hijo rechazado son buenos ejemplos de dicha intención. Como con reminiscencias de Balzac, lo social y económico se destacan en las peripecias de —109→ sus criaturas. Al juzgar Las leyes del juego, Juan Carlos Ghiano estableció otras comparaciones:

Como Eugenio Cambaceres y Julián Martel -escribió Ghiano-, Peyrou ha escrito un relato donde se eluden los análisis de las conciencias en todo aquello que no refleja el estado social.
Es que Peyrou, después de haber practicado el juego de lo policial y lo fantástico, que lo aproximaba al orbe literario de Borges, se interesó por los conflictos de las psicologías sociales para abordar a través de ellos la novela de testimonio y denuncia.
Existe otro rasgo de su personalidad literaria -y también humana- que no es posible soslayar: su amor por Buenos Aires. Este admirador de la literatura inglesa gustaba describir en su obra cosas y hechos de nuestra ciudad, sobre todo la zona del centro, de la que era un permanente y encariñado caminador. Peyrou pertenecía a un tipo de argentino que va, lamentablemente, desapareciendo: internacional por formación y mentalidad, y acendradamente porteño por temperamento.
Quien ahora les habla lo conoció a comienzos de 1958, al ingresar en la redacción de La Prensa. Manuel Peyrou -Manolo, como lo llamaban sus compañeros- era entonces un cincuentón alto, corpulento sin ser gordo, de rostro ancho, mentón saliente y pelo negro, apenas entrecano, peinado a la gomina. Lo recuerdo vestido, siempre, con traje marrón en invierno y blanco en verano. Pocas veces lo vi sonreír, su gesto era habitualmente adusto. Se lo respetaba por su responsabilidad profesional, la firmeza de sus principios democráticos y su competencia como hombre de consulta en los muchos y, a veces, delicados problemas que presenta cotidianamente la tarea periodística. Trabajaba entonces en el suplemento literario, junto a su director, José Santos Gollán, y solía escribir en el cuerpo del diario una columna de temas misceláneos, con un enfoque crítico de la realidad, donde desfilaban los asuntos más diversos, entre observaciones sagaces y toques irónicos. No firmaba con su nombre, sino con un seudónimo: Septimio.
Pero para mí, el mayor motivo de respeto hacia ese colega mayor era su amistad con Borges. No pocas noches, Borges concurría al comedor del diario y yo, desde una mesa vecina, los observaba mientras los dos comían y charlaban animadamente. Cuánto hubiera dado por poder oír aquellas conversaciones, ya que, estaba seguro, hablarían de libros y escritores. Más de una vez; me pregunté cómo podían —110→ ser tan amigos, ya que ambos eran, al menos desde el punto de vista literario, muy distintos. Los dos profesaban la pasión por la literatura, pero mientras Borges creía que las palabras servían menos para expresar la realidad que para crear nuevas realidades, las palabras eran para Peyrou sólo una herramienta, un objeto de uso que él utilizaba para describir la realidad y reflexionar sobre ella. En su estudio sobre Lugones, Borges había sostenido que «la realidad no es verbal», que las cosas y las palabras pertenecen a ámbitos diferentes; no concebía, por otra parte, una literatura utilitaria. Como para Mallarmé, escribir era dar un sentido nuevo a las palabras de la tribu. El escritor era, para él, un alquimista, un revelador de mundos mágicos. Para Peyrou, en cambio, el lenguaje era un medio, un instrumento con el que era posible ya no transformar la materia de la realidad, sino captarla y documentarla. Peyrou, un realista, se proponía reproducir lo que veía, como si la literatura tuviese la función de un espejo; mientras Borges se internaba por el laberinto de la imaginación y los sueños y, al igual que la Alicia, de Lewis Carroll, pasaba al otro lado del espejo. Peyrou dijo en cierta ocasión que, para referirse en un relato a la Plaza Libertad -era un ejemplo-, se necesitaba antes recorrerla, observarla, sentarse en sus bancos, contemplar detenidamente sus árboles, la gente que la frecuentaba. No se permitía inventar, escribir sobre lo que no conocía. Por supuesto, estoy refiriéndome a los libros que publicó después de haber abandonado su etapa de novelista policial.
Siempre fue Peyrou un hombre reservado. Poco sabíamos de su vida fuera de su actividad literaria y periodística. En alguna ocasión, lo vimos en el diario con dos hermosas mujeres; después supimos que eran sus hermanas: Graciela Peyrou, escritora como él, y Julia Peyrou, pintora. Varias veces lo encontré en una confitería de Viamonte y Maipú, a la que concurría porque lo dejaban entrar con su perro. Otro local, al que iba por las noches después de salir del diario para beber su acostumbrado vaso de whisky, estaba muy cerca de la casa de Borges, pero Borges no participaba de ese hábito nocturno. Lo encontré, sí, con Borges, Mastronardi y Enrique Fernández Latour en algún otro café, también céntrico, ya que Peyrou, aparentemente, no incursionaba más allá de diez o quince cuadras alrededor de su departamento de la calle Esmeralda.
Pocos años antes de morir, sus compañeros nos enteramos, casi por casualidad, de que se había casado recientemente, pero no conocimos —111→ a su esposa. Lo recuerdo en ese último período de su vida. El régimen político, cuyos abusos autoritarios él había documentado en la saga que componen sus últimas novelas, se había vuelto a instalar en el país. Peyrou vivía agobiado por el retorno de esa situación que él creía abolida, confinada para siempre en las páginas de sus libros y que, de nuevo, pugnaba por transformarse de ficción en realidad. Los amigos contemplamos, entristecidos, su propia tristeza, que se enseñoreaba de su físico, día a día disminuido, y pesaba en su corazón como una carga inexorable.
Su muerte, ocurrida el 1.º de enero de 1974, no nos produjo excesiva sorpresa pues hacía tiempo que, impotentes, veíamos a Peyrou morir poco a poco de esa melancolía, de esa depresión nacida del choque entre sus convicciones cívicas, de arraigada tradición liberal, y la realidad de acontecimientos que se volvían, hostiles, contra su mundo de valores intelectuales y éticos. Ese día, el director de La Prensa, Alberto Gainza Paz, me llamó para encargarme la redacción de la correspondiente nota necrológica. Después de haberla escrito y enviado a su despacho, como me lo había indicado, volvió a llamarme para pedirme que hablara el día siguiente, en el cementerio, en nombre de la dirección y del personal del diario.
El 2 de enero, por la mañana, en el peristilo del cementerio de la Chacarita, despedí los restos de Peyrou, por La Prensa, y luego hizo lo propio Jorge Luis Borges, en representación de sus amigos y de la Academia Argentina de Letras. Desde entonces, cada vez que me encontraba con Borges o lo llamaba por teléfono para solicitarle un reportaje, siempre me decía: «Ah, sí, Requeni, el amigo de Peyrou». Pese a que le había enviado mis libros y que guardo una tarjeta suya en la que elogió un poema mío, yo siempre fui para Borges, desde aquel día, nada más que el amigo de Peyrou. Hoy reflexiono: sí, nada más, pero también, nada menos. Porque no deja de ser un privilegio y un orgullo haber sido «el amigo de Peyrou».
Antonio Requen

Hiromi Uehara SPIRAL

2008-06-24T20:07:00.003-03:00

Tracklisting:

1. Spiral (10:04)

Music for Three-Piece Orchestra:-

2. Open Door / Tuning / Prologue (10:16)-

3. Deja Vu (7:45)-

4. Reverse (5:09)-

5. Edge (5:19)

6. Old Castle, By The River, In The Middle Of A Forest (8:20)

7. Love and Laughter (9:02)

8. Return of Kung-Fu World Champion (Bonus Track) (9:39)

Hiromi Uehara / piano, keyboards

Tony Gray / bass

Martin Vailhora / drums

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Hiromi Uehara ANOTHER MIND

2008-06-24T19:59:00.004-03:00

Tracks:

Xyz

Double Personality

Summer Rain

Joy 010101 (Binary System)

Truth and Lies

Dancando No Paraiso

Another Mind

The Tom and Jerry Show

Credits:

Anthony Jackson - Bass

Dave Dicenso - Drums

David Fiuczynski - Guitar

Hiromi Uehara - Keyboards, Piano, Soloist

Jim Odgren - Sax (Alto)

Mitch Cohn - Bass

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Crimson Jazz Trio KING CRIMSON SONGBOOK

2008-06-24T19:18:00.004-03:00

Ian Wallace :Drums

Tim Landers: Bass

Jody Nardone: Piano

Tracks:
1. 21st Century Schizoid Man

2. Three of a Perfect Pair

3. Catfood

4. Starless

5. Ladies of the Road

6. I Talk to the Wind

7. Red

8. Matte Kudasai

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Yahel,Hoenig,Moreno, Seamus JAZZ SIDE OF THE MOON

2008-06-24T19:01:00.005-03:00

Sam Yahel (Hammond B3 Organ)

Air Hoenig (Drums)

Mike Moreno (Electric & Acoustic Guitar)

Seamus Blake (Tenor Saxophone)

Track List:

01. Breathe 6:29

02. On the Run, Pt. 1 3:43

03. Time 11:00

04. Any Colour You Like 2:17

05. The Great Gig in the Sky 8:42

06. Money 6:49

07. Us and Them 6:23

08. Brain Damage 6:20

09. On the Run, Pt. 2 3:45

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Password: virshlarock.blogspot.com

The link for the second part is in archive.

Chick Corea & Touchstone RHUMBA FLAMENCO

2008-06-24T10:18:00.004-03:00

Tracks CD-1

01.- Touchstone (22:36)

02.- Blanca Con Puntillo (13:14)

03.- Zyriab (16:22)

04.- You're Everything (10:24)

Tracks CD-2

01.- Mallorca (17:29)

02.- Kalimba (3:50)

03.- Alan Corday (8:58)

04.- Anna's Tango (20:11)

05.- Rhumba Flamenco (5:30)

Personnel: Tom Brechtlein: Drums,Chick Corea: Piano,Carles Benavent: Bass,Jorge Pardo: Saxophone, Flute,Rubem Dantas: Percusión,Gayle Moran Corea: Vocals

Download CD-1

Download CD-2

Chick Corea THE COMPLETE IS SESSIONS

2008-06-24T10:10:00.002-03:00

Tracks (CD1):

1. It (Chick Corea) 0:28

2. The Brain (Chick Corea) 10:08

3. This (Chick Corea) 8:15

4. Song Of The Wind (Chick Corea) 8:02

5. Sundance (Chick Corea) 9:59

6. The Brain (alt. take) 7:23

7. This (alt. tk) 11:47

8. Song Of The Wind (alt. tk) 6:44

9. Sundance (alt. tk) 13:28

Tracks (CD2):

10. Jamala (Dave Holland) 14:05

11. Converge (Chick Corea) 7:56

12. Is (Chick Corea) 28:52

13. Jamala (alt. tk) 8:55

14. Converge (alt. tk) 7:59

Personnel:

Chick Corea (Piano and Electric Piano) Woody Shaw (Trumpet) Hubert Laws (Flute and Piccolo) Bennie Maupin (Tenor Saxophone) Dave Holland (Double Bass) Jack DeJohnette (Drums) Horace Arnold (Drums and Percussion)

Steve Kuhn PROMISES KEPT

2008-06-23T09:02:00.002-03:00

Artists:

Steve Kuhn: piano

David Finck: double-bass

Carlos Franzetti: conductor, orchestrator

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Steve Kuhn MOTILITY

2008-06-23T08:58:00.002-03:00

Steve Slagle (f, ss, as)

,Steve Kuhn (p),

Harvie Swartz (b),

Michael Smith (d)

The Rain Forest

Oceans In The Sky

Catherine

Bittersweet Passages

Deep Tango

Motility

The Child Is Gone

A Danse For One

Places I've Never Been

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Literatura Argentina MIGUEL BRIANTE (1944-1995)

2008-06-23T08:31:00.003-03:00

El escritor Miguel Briante nació en General Belgrano (provincia de Buenos Aires) un 19 de mayo de 1944, y murió allí mismo, el 25 de enero de 1995. A los diecisiete años ganó con su relato "Kincón" el Primer Premio del Segundo Concurso de Cuentistas Americanos (premio organizado por la revista El escarabajo de oro y que compartió con Piglia, Rozenmacher, Gettino y Villegas Vidal). Su primer libro de relatos, Las hamacas voladoras, fue publicado por Falbo Editor en 1964 y luego reeditado por Puntosur y Página/12. En 1993 Alfaguara publicó una nueva versión de su única novela, Kincón, originariamente aparecida en 1975 bajo el sello venezolano Monte Avila. Sus otros dos libros de relatos, muchos de los cuales forman parte de antologías del género, fueron Hombre en la orilla (Editorial Estuario, 1968), y Ley de juego (Folios Ediciones, 1983).Briante ejerció los oficios de periodista y crítico de arte con la misma lucidez que ponía en sus textos literarios. Aparte de los catálogos, críticas de arte en revistas internacionales y colaboraciones en medios como La Voz, Artinf y Vogue, entre 1967 y 1975 trabajó para Confirmado, Primera Plana, Panorama y La Opinión, entre 1977 y 1979 fue Jefe de Redacción de Confirmado, entre 1982 y 1984 fue Jefe de Redacción de El Porteño, y desde 1987 hasta su muerte estuvo a cargo de artes plásticas en Página/12. Los artistas argentinos también recuerdan su paso por el Centro Cultural Recoleta, primero como Asesor (1989-90), y luego como Director (1990-93).
FOGWILL
Entre sus obras:
Las hamacas voladoras (1964). Falbo Editor. Reeditadopr Punto Sur y Página/12
Hombre en la orilla (1968). Editorial Estuario.
Ley de juego (1983). Folios Ediciones.
Ley de juego
Capítulo primero
De más lejos
Kincón (1975). Monte Avila, Venezuela.
Kincón (1993). Nueva versión. Alfaguara.

Textos sobre las artes plásticas
El retorno del brujo que pinta (1969)
Gómez: la caída de los dioses(1990)
Gorriarena con todo (1993) (incluye galería de cuadros)

Leandro "Gato" Barbieri CHAPTER II HASTA SIEMPRE

2008-06-22T11:58:00.002-03:00

1. Encontros
2. Marissea
3. Juana Azurduy
4. Latin America
5.Para nosotros

Gato Barbieri : Saxo y voces
Helio Del Miro: Guitarra
Raúl Mercado: Flauta
Novell: Bajo
Paulo Antonio Braga: Bateria
Jorge Padin: Percusion
Antonio Pantoja: Percusion

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Leandro "Gato" Barbieri CALIENTE!

2008-06-22T11:51:00.003-03:00

01. Fireflies 5:28

02. Fiesta 5:08

03. Europa (Earth's Cry, Heaven's Smile) 4:26

04. Don't Cry Rochelle 4:55

05. Adios - Part I 0:32

06. I Want You 5:56

07. Behind The Rain 5:34

08. Los Desperados 6:15

09. Adios - Part II 0:59

musicos:

Gato Barbieri (tenor saxophone);

Eddy Martinez (keyboards);

Don Grolnick (keyboards, synthesizer);

Eric Gale, David Spinozza, Joe Beck (guitar);

Gary King (bass);

Lenny White (drums);

Ralph McDonald, Cachete Maldonado, Mtume (percussion).

http://rapidshare.com/files/86954347/Gato_Barbieri_-_Caliente_.zip

Erik Truffaz OUT OF A DREAM

2008-06-21T14:57:00.002-03:00

Personnel:

Erik Truffaz (Trumpet and Flugelhorn)

Cyrille Bugnon (Tenor and Alto Saxophone)

Patrick Muller (Piano)

Marcello Giuliani (Double Bass)

Marc Erbetta (Drums)

Tracks:

1. Down Town 2:01

2. Out of a Dream 7:36

3. Beaute Bleue 5:59

4. Wet in Paris 6:24

5. Porta Camollia 5:21

6. Indigo 5:49

7. Saisir 3:55

8. Elegie 3:23

9. Samara 5:24

10. Up Town 2:11

11. Betty 1:42

All compositions by Erik Truffaz

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Erik Truffaz MANTIS

2008-06-21T14:50:00.001-03:00

Personnel:

Erik Truffaz (Trumpet)

Manu Codija (Guitar)

Michel Benita (Bass)

Phillipe Garcia (Drums and Megaphone)

Anouar Brahem (Oud) - 5

Mounir Troudi (Vocals) - 7

Tracks:

1. The Point (Patrick Muller) 5:30

2. La Mémoire du Silence (Erik Truffaz) 7:45

3. Saisir (Erik Truffaz) 6:30

4. No Fear (Erik Truffaz/Manu Codija/Michel Benita/Phillipe Garcia) 2:09

5. Nina Valéria (Erik Truffaz) 4:42

6. Parlophone (Phillipe Garcia) 3:55

7. Magrouni (Erik Truffaz/Mounir Troudi) 3:45

8. Mantis (Erik Truffaz) 7:40

9. Yasmina (Erik Truffaz) 4:03

10. Mare Mosso (Erik Truffaz) 2:38

11. Tahun Bahu (Erik Truffaz) 10:27

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Erik Truffaz THE DAWN

2008-06-21T14:41:00.003-03:00

Personnel:

Erik Truffaz (Trumpet)

Patrick Muller (Piano and Fender Rhodes)

Marcello Giuliani (Double Bass and Electro-Acoustic Bass)

Marc Erbetta (Drums)

Nya (Vocals)

Tracks:

1. Bukowsky-Chapter 1 (Erik Truffaz/Nya) 1:49

2. Yuri's Choice (Marcello Giuliani/Nya) 5:48

3. The Dawn (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 5:45

4. Wet in Paris (Erik Truffaz/Nya) 4:44

5. Slim Pickings (Nya) 1:04

6. Round-Trip (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 4:34

7. The Mask (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller/Nya) 5:03

8. Free Stylin' (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller/Nya) 3:33

http://rapidshare.com/files/116158724/Erik_Truffaz__The_Dawn_.rar

Erik Truffaz BENDING NEW CORNERS

2008-06-21T14:21:00.003-03:00

Personnel:

Erik Truffaz (Trumpet)

Patrick Muller (Piano and Fender Rhodes)

Marcello Giuliani (Electric and Acoustic Bass)

Marc Erbetta (Drums and Percussion)

Nya (Vocals) - 1,5,6,9

Tracks:

1. Sweet Mercy (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller/Nya) 5:12

2. Arroyo (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 6:27

3. More (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 6:10

4. Less (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 3:56

5. Siegfried (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller/Nya) 6:56

6. Bending New Corners (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Nya) 8:09

7. Betty (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 4:17

8. Minaret (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 5:58

9. Friendly Fire (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller/Nya) 4:18

10. And (Erik Truffaz/Marcello Giuliani/Marc Erbetta/Patrick Muller) 2:28

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Una Aproximacion Al JAZZ ITALIANO

2008-06-21T06:50:00.005-03:00

Cuando le preguntaban “¿Hacia donde va el jazz?”, Thelonious Monk contestaba: “El jazz va hacia donde quiere”. En esa respuesta estaba implícita la consideración de que esa música ya tenía la potencialidad de trascender todas las definiciones de géneros, y todos los confines territoriales.
El mayor logro del “jazz”, algo que de hecho hoy es respetado y estudiado a nivel académico, es la impresionante evolución que ha desarrollado en el lenguaje musical improvisado. Este logro no podía quedar confinado dentro de un ritmo, ni dentro de un espacio territorial limitado.

En todo el mundo los músicos se interesaron y se apropiaron de los códigos que los pioneros estadounidenses del jazz habían desarrollado en la improvisación musical. A partir de ahí el jazz, como Monk ya sabía, tomó muchos y distintos caminos, y en cada uno de esos se enriqueció de contenidos originales y peculiares.
Italia, junto a Francia, fue el país europeo que más atención reservó al fenómeno del jazz estadounidense desde su aparición a principios del siglo XX. Las primeras producciones de jazz italiano de esta época ya vislumbraban las potencialidades del encuentro entre el jazz norteamericano y la sensibilidad cultural italiana.
El periodista y crítico musical italiano, Luigo Onori, en un artículo sobre “La relación entre el jazz y el folklore en Italia”, identifica en el disco “Crapa Pelada”, de 1936, del acordeonista Gorni Kramer, el primer ejemplo de este contacto.
Sin embargo, sólo a partir de la segunda posguerra la producción de música jazz italiana empezó a tener una dimensión relevante. De repente aparecieron grupos de músicos y con ellos también de apasionados oyentes, que por lo menos por una década habían cultivado esa pasión bajo las restricciones y la censura que el fascismo y el nazismo habían impuesto sobre todo lo relacionado con el enemigo americano. Paradojicamente, en Italia, uno de los primeros músicos reconocidos de jazz fue justamente un sobrino del “Duce”, el pianista Romano Mussolini.
Un restringido grupo de talentosos músicos pronto encontraron un espacio profesional tanto en clubs, como en verdaderas orquestas que en muchos casos trabajaban de manera estable en la RAI (Radio y Televisión de Estado) o en el cine, que en ese entonces vivía su época dorada.
Los años cincuenta y sesenta del jazz italiano pasaron como una fase de largo aprendizaje y asimilación de todo lo que llegaba de EE.UU a nivel musical. El crítico Luigi Onori también describió con agudeza lo que estaba ocurriendo en ese entonces: “El jazz, por un largo tiempo fue de tipo derivativo e imitativo. El dixieland, el bebop, y el cool eran el marco de referencia de los músicos, que dejaban de lado el substrato musical folklórico. Y no podía ser de otra forma, ya que Italia estaba viviendo un verdadero boom económico y nadie tenía ganas de evocar una música que se relacionaba con un pasado de miseria”.
Protagonistas de esta época fueron músicos como el saxofonista Gianni Basso, el guitarrista Lino Patruno, los trompetistas Oscar Valdambrini y Nunzio Rotondo, y el bajista Carlo Loffredo, sólo para citar algunos.
Fue con la revolución del “free jazz”, a partir de los años sesenta, que se desató en Italia el interés en la elaboración de una música autonoma, despegada de los modelos norteamericanos y más relacionada con el patrimonio cultural local. Junto a esto, las nuevas instancias culturales, sociales y políticas que se afirmaron con el movimiento juvenil y obrero de los años 1968 y 1969 trascendieron en el ámbito musical, y afirmaron la cuestión de la recuperación de la cultura popular y folklórica.
En esta época de verdadera explosión creativa musical, tres figuras de músicos y compositores se destacan bajo el signo de un auténtico rigor intelectual y conceptual del que surgió una música autóctona y original. El pianista Giorgio Gaslini, el bajista Bruno Tommaso y el saxofonista Mario Schiano.
Se experimentó la fusión no sólo entre estilos y generos músicales distintos, sino que se quebraron las fronteras de distinción entre música, teatro, poesía y literatura para dar origen a un arte totalmente libre y expresiva a un máximo grado.
A partir de este momento, el jazz italiano encuentra su propio camino, y demuestra su madurez en una producción musical que ya no le tiene miedo a la confrontación con los maestros norteamericanos. Es más, a partir de los años setenta se hace muy frecuente la colaboración y la integración en conjuntos, entre músicos italianos y norteamericanos, sobre todo de la vanguardia del free.
La colaboración entre Steve Lacy y el trompetista italiano de sólo veinte años, Enrico Rava, en 1975, los discos del pianista Enrico Pierannunzi con el saxofonista Lee Konitz, o del pianista Franco D’Andrea con Phil Woods, son sólo algunos ejemplos de esta confrontación e integración entre músicos que ya comparten un mismo código expresivo, pero cada uno con características originales que derivan de historias y culturas diferentes.

Una mención particular merece el fallecido saxofonista alto Massimo Urbani, que protagonizó a caballo de los años setenta y ochenta una fulminante carrera de solista revelando un talento puro que muchos compararon al del genial Charlie Parker. Así como su ídolo, “Bird”, Urbani murió demasiado joven, a los 36 años, consumido por el abuso de drogas.

Esta generación de músicos sigue destacándose, y jazzistas como el trompetista Paolo Fresu, el saxofonista Daniele Sepe, la cantante Maria Pia De Vito, el bajista Paolo Damiani, el pianista Stefano Battaglia y el baterista Roberto Gatto, otra vez sólo para citar algunos, son artistas reconocidos hoy a nivel internacional.

Muchas actividades relacionadas con esta música surgieron paralelamente al crecimiento del movimento jazzistico italiano. A mitad de los años setenta nacen varios sellos discográficos italianos que empiezan a editar no solamente grabaciones de músicos locales, sino que ofrecen un espacio importante a esa vanguardia norteamericana que no encontraban un lugar digno en el mercado estadounidense.
Un simple recorrido por el catálogo de la etiqueta italiana Soulnote/Blacksaint demuestra la importancia adquirida también por parte de la industria discográfica local en la difusión del jazz mundial.
Otro aspecto para destacar es el surgimiento de festivales de jazz en toda Italia, el más importante de los cuales, Umbria Jazz, festejará en 2003 sus treinta años de vida. Los festivales y la posibilidad de escuchar en vivo los músicos provenientes de distintas áreas y naciones fueron un ulterior elemento determinante para la difusión y el crecimiento del contexto jazzistico italiano.

Hoy, a parte de Umbria Jazz, existen decenas de festivales orientados cada uno hacia un concepto distinto de la programación. Así, por ejemplo, el festival de verano “Siena Jazz” brinda una importancia mayor a los interpretes locales, mientras que el festival de “Rumori Mediterranei”, en Roccella Jonica (Calabria), busca la fusión con la tradición musical del area mediterranea.

Hoy en día el panorama italiano así como el de EE.UU y de los demás paises refleja cierta indefinición creativa entre la profundización y la evolución del neobop y la busqueda de nuevas sonoridades. Muchos de los proyectos músicales que surgen son orientados cada vez más a la confluencia entre culturas pero no siempre los resultados merecen el esfuerzo.

De todas formas, brillantes y jovenes intérpretes/compositores italianos de jazz siguen afirmándose no solamente en su país, sino también afuera de los confines de la península. Los saxofonistas Stefano Di Battista y Rosario Giuliani, los trompetistas Flavio Boltro y Marco Tamburini, el guitarrista Emanuele Basentini, el pianista Pietro Lussu, el bajista Pietro Ciancaglini y muchos otros han recogido la herencia del “jazz italiano”.

**En la foto Rava, Fresu, Bollani, Pietropali y Gatto

Esbjorn Svensson Trio VIATICUM

2008-06-19T12:40:00.003-03:00

1 Tide Of Trepidation (7:12)

2 Eighty-Eight Days In My Veins (8:22)

3 The Well-Wisher (3:47)

4 The Unstable Table & The Infamous Fable (8:32)

5 Viaticum (6:51)

6 In The Tail Of Her Eye (6:55)

7 Letter From The Leviathan (6

8 A Picture Of Doris Travelling With Boris (5:40)

9 What Though The Way May Be Long (6:20)

10 bonus (10:13)

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Esbjorn Svensson Trio SEVEN DAYS OF FALLING

2008-06-19T12:36:00.001-03:00

01 Ballad For The Unborn

02 Seven Days Of Falling

03 Mingle In The Mincing-Machine

04 Evening In The Atlantis

05 Did They Ever Tell Cousteau?

06 Believe Beleft Below

07 Elevation Of Love

08 In My Garage

09 Why She Couldn't Come

10 O.D.R.I.P.

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Esbjorn Svensson Trio PLAYS MONK

2008-06-19T12:32:00.002-03:00

01 - I Mean You (6:48)

02 - Criss Cross (5:49)

03 - Round Midnight (6:14)

04 - Bemsha Swing (7:23)

05 - Rhythm-A-Ning (4:04)

06 - In Walked Bud (6:41)

07 - Little Rootie Tootie (4:05)

08 - Eronel (4:60)

09 - Evidence (5:06)

10 - Crepuscule With Nellie (6:41)

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Esbjorn Svensson Trio WHEN EVREYONE HAS GONE

2008-06-19T12:28:00.003-03:00

1 When Everyone Has Gone (6:39)

2 Fingertrip (8:26)

3 Free Four (6:38)

4 Stella By Starlight (8:22)

5 4 Am (5:26)

6 Mohammed Goes To New York, Part 1 (4:14)

7 Mohammed Goes To New York, Part 2 (5:35)

8 Waltz For The Lonely Ones (3:54)

9 Silly Walk (5:30)

10 Tough Tough (4:11)11 Hands Off (6:18)

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Esbjorn Svenson y su Trio EST El ASCENSO IMPARABLE DE UNOS DINAMITEROS DEL JAZZ

2008-06-19T12:24:00.003-03:00

J. M. GARCÍA MARTÍNEZ - Hamburgo - 01/03/2008

Mucho más que un conjunto de jazz. El trío del pianista Esbjörn Svensson, EST para los amigos, constituye un fenómeno sociológico digno de estudio. Un grupo de jazz sueco que vende discos como el que más, llena grandes auditorios y gusta, incluso, a los aficionados al jazz. Para el líder (aunque no se reconozca como tal), la explicación es muy sencilla: "No existe ningún otro trío en ningún lugar del mundo como el nuestro. Ni en América, Japón, Suecia o en España va nadie a encontrar otro EST. Si quieres escuchar a EST tienes que escuchar a EST".
Svensson: "Si crees que lo nuestro no es jazz, vale; si piensas que sí, pues también"
"Sería aburrido si fuese lo mismo todas las noches, por suerte, no lo es"
Svensson, Dan Berglund (contrabajo) y Magnus Öström (batería) acudieron recientemente a Hamburgo para presentar su nuevo disco. Una elección obvia teniendo en cuenta que se trata de una grabación en vivo realizada en esta ciudad. Cualquiera podría llevarse la falsa impresión de que la llamada Venecia del Norte constituye un fetiche para Svensson: "En los ochenta recorrí Europa por Interrail con mi novia y siempre teníamos que pasar por Hamburgo", recuerda el pianista. "Por algún motivo, la ciudad no me gustaba demasiado y todo lo que quería era subir al tren y salir pitando. Pero ahora he descubierto que es un sitio estupendo".
Para la presentación, escogieron el Indra, un diminuto habitáculo con apariencia de club de alterne de los años cincuenta que fue el escenario de la primera actuación de unos tales Beatles fuera del Reino Unido. Para Svensson, "ha sido la oportunidad de volver a saborear el feeling de tocar en un club", "un lujo" que ya no se pueden permitir, reconoce Svensson. "Los clubes de jazz suelen ser lugares muy pequeños con lo que tendríamos que estar de gira eternamente. Nuestro reto es crear la atmósfera precisa para hacer sentir a quienes van a escucharnos que no están en un lugar inmenso sino en un club o en la sala de estar de su casa y que nosotros no estamos allí; hasta que, de repente, abre los ojos y comprueba que está rodeado por otros 500".
El "culpable" de que todos estemos aquí -músicos, ejecutivos y prensa venida de toda Europa- se llama Siegfried, Siggi, Loch, un aristócrata, antiguo presidente de WEA-Europa que en 1992 lo dejó todo para fundar ACT, cumpliendo con su sueño de convertirse en productor de discos de jazz. Svensson reconoce que fue gracias al empeño de Loch que EST live in Hamburg vio la luz: "Yo no estaba demasiado entusiasmado con la idea de editar la grabación del concierto pero Siggi insistía en que teníamos que escucharla, que había sido algo grande, y, efectivamente, lo había sido".
Svensson recuerda la primera vez que EST tocó en Madrid: en un club, un domingo por la tarde-noche, ante una docena de espectadores. "Es algo que uno no debe olvidar. El riesgo de crecer como nosotros lo hemos hecho es que acabes ocupándote más de los deseos de la gente que de la música. La filosofía del grupo es justo la contraria: lo único que importa es la música y lo que sentimos y lo que queremos tocar. Si seguimos así seguro que la audiencia seguirá estando ahí".
Su música puede sonar tanto en una sala de conciertos como en un garito del "barrio rojo" de Hamburgo o en un after en Ibiza... pero, toquen donde toquen, siempre cabrá la duda de si calificarles como un grupo de jazz con apariencia de conjunto pop o como un grupo pop que improvisa. "El problema del jazz es que todo el mundo sabe qué está ocurriendo a cada momento. Con EST no está tan claro qué es un solo y qué la melodía, lo que me encanta. Las formas tradicionales del jazz me aburren. Nos inspira la música afroamericana, por supuesto, pero también la música clásica europea, la música electrónica, el pop, el rock and roll..., si alguien piensa que no es jazz, por mí vale, y si piensa que sí, pues también".
Las cifras cantan: EST ofrece más de 100 conciertos al año por todo el mundo, una presumible tortura para alguien que afirma "odiar a muerte" las repeticiones. "Sería aburrido si fuera lo mismo todas las noches pero no lo es", confiesa Svensson. "No hay una sola noche en que no ocurra algo que te lleve a preguntarte qué está pasando. Todo lo tocamos en vivo y sin trampa, no tenemos loops ni nada parecido. Cualquiera puede empezar cualquier cosa y tienes que estar absolutamente concentrado porque corres el riesgo de perderte. Basta que pares un minuto a fumarte un cigarrillo para que ya no sepas dónde estás".

Muere ESBJORN SVENSSON (1964-2008)

2008-06-19T12:18:00.004-03:00

ELPAÍS
El pianista y compositor sueco Esbjörn Svensson murió ayer a la edad de 44 años mientras practicaba buceo en Ingarö, cerca de Estocolmo, han informado los medios suecos. Con su trío de jazz, el Esbjörn Svensson Trio (EST), había logrado romper barreras y atraer a la audiencia más joven fuera de los escenarios tradicionales de esta música.
Su nombre había resonado con fuerza los últimos meses desde Japón a EE UU, pasando por países europeos como Alemania, Francia y Reino Unido gracias a álbumes como Viaticum y Tuesday Wonderland. Svensson murió ayer en el hospital, tras ser trasladado el sábado por los servicios de emergencia. Se encontraba practicando buceo junto a otro grupo de personas, informa el diario Dagens Nyheter en su edición digital.
Según su representante, Burkhard Hopper, Svensson era musicalmente “la luz que iluminaba al mundo porque lo que hizo fue romper barreras”. “Decía que se guiaba por la música que salía de su interior”.
“Mis condolencias para su mujer y sus dos hijos, así como para sus compañeros de grupo Dan Berglund y Magnus Öström”, ha declarado a este periódico sueco una amiga, quien ha definido al músico como “el más grande de Suecia”. “Era un gran compositor y dio un nuevo impulso al jazz”, ha añadido.
EST. se convirtió en 2006 en el primer grupo europeo que saltó a la portada de la prestigiosa revista estadounidense de jazz Down bit. Ha ganado destacados galardones, como el European Jazz Award y el Jazz Award de la BBC. Recientemente, había finalizado su 12º álbum, Lencocyte, cuya publicación está prevista para septiembre.

Literatura Argentina GUILLERMO SACCOMANO (1948)

2008-06-18T18:56:00.002-03:00

La vida cotidiana de Guillermo Saccomanno transita entre dos geografías diferentes, su pequeño departamento en el barrio de Retiro en Buenos Aires y su casa junto al mar: “El mar significa amplitud, es lo más parecido a una inmensa página en blanco. Sin embargo yo no me meto mar adentro. Prefiero la orilla, el borde, el límite, porque creo que es el espacio intelectual donde siempre se mueve el escritor”. Y así recaló en ese paisaje de médanos y vientos sibilantes de Villa Gesell donde escribió en quince años sus últimos cinco libros y además ”la distancia me salvó, me ayudó a desintoxicarme”, aclara, a pesar que viaja seguido a Buenos Aires para coordinar sus talleres y colaborar con el diario Página/12.
Los grandes escritores, siempre, dieron cuenta de su época y Guillermo Saccomanno es una de las voces más ecuánimes e inteligentes de nuestra narrativa. Nacido en 1948 en Buenos Aires - en el límite entre Floresta y Mataderos -, en un barrio de calles de tierra del Bajo Flores, con un padre socialista y antiperonista en 1955, pero que había estado en la Plaza de Mayo el 17 de Octubre de 1945 y una madre amante de Evita, que leía todo el tiempo La razón de mi vida. En esa conjunción, él, de sólo 15 años leyendo ávidamente El juguete rabioso de Roberto Arlt. “El juguete... lo leí en un galpón en el fondo de casa, una tarde de verano de calor terrible, entre las tres y las siete de la tarde. Si a los 15 años te pega Arlt, te va a seguir pegando toda la vida”, aclara, compartiendo más adelante este amor con la literatura rusa y norteamericana.
La generación de los ’70: diezmada, destruida, sometida
La suya es una literatura que muestra fuertes vinculaciones con el realismo y se centraliza además en una memoria que muchas veces, es tan infiel con la realidad.Guillermo Saccomanno, juntamente a Andrés Rivera, Osvaldo Soriano, y Antonio Dal Masetto, se cuentan entre los narradores de la literatura argentina de las últimas décadas que han hecho de la memoria material sus ficciones y han reflexionado en ellas sobre lo que significa recordar para hacer del recuerdo una literatura de ficción.Fue creativo publicitario y uno de los guionistas de historietas más renombrados, antes de volcarse por completo a la literatura. Entre sus libros se destacan Situación de peligro (1986), Roberto y Eva. Historias de un amor Argentino (1989), Bajo bandera (1991), Animales domésticos (1994), La indiferencia del mundo (1994), El buen dolor (1999), La lengua de malón (2003) y, recientemente, El amor argentino (2004).
Obtuvo el Primero y Segundo Premio Municipal de Cuento, el Premio Crisis de Narrativa Latinoamericana y el Premio Club de los XIII. Sus relatos fueron llevados al cine (Bajo bandera, entre otros, con dirección de Juan José Jusid), traducidos a distintos idiomas y reunidos en varias antologías.

El buen dolor
Es la novela donde el escritor “revisó” algunas experiencias familiares, relatando la relación conflictiva de un hijo con su padre, ese padre que será el protagonista. Es una novela corta, construida por tres textos en el borde, en la orilla, en el confín entre autobiografía y ficción. “La única manera de contar la historia colectiva…”.
El padre de Guillermo Saccomanno también quería, como el hijo, ser escritor. Pero no era escritor, era sastre. Antes de ser sastre había sido trabajador en el puerto. Leía a Zola y estaba empeñado en escribir la gran novela realista de sus compañeros portuarios. Su problema era ser pobre, vivir con una tiránica abuela enferma, en una Argentina de los años cincuenta donde no era bueno ser socialista y menos negarse a afiliarse al peronismo, viviendo en un suburbio clase media baja de Buenos Aires.... El hijo también quería ser escritor, pero no leía Zola: el hijo leía Henry Miller, Faulkner, Pasolini...
El buen dolor vuelve a esa época de enfermedades y dolores, y narra la convalecencia y la muerte de su padre. De a poco va armando esos recuerdos, con enfrentamientos disfrazados de discusiones literarias o políticas. Rivales, padre e hijo tratan cada uno de subsistir, a pesar de la derrota, a pesar de la vejez.
Saccomanno narra con prosa seca. Alterna la primera persona confesional con la tercera distante. Se envuelve en sí mismo y se habla a sí, a ese hijo que no puede soportar la decadencia de un cuerpo amado y odiado al mismo tiempo, al que no le tiembla la mano al hablar de repulsión.

La lengua de lo prohibido
Sus obras guardan casi una secuencia, por lo que no podemos comprender la última si no indagamos en las anteriores, sobre todo a partir de La lengua del malón del año 2003.
El escritor nos dice: “Para hablar de los ´70 como quería, me tenía que remontar al ’55. Para poder explicarme la violencia de los sesenta, tuve que retroceder al peronismo, porque es el momento donde la clase trabajadora adquiere un nivel de prosperidad y nivel universitario. Todas las reivindicaciones de la clase trabajadora caen en el ´55 y esto explica que la clase media, o los jóvenes de clase media que pertenecían a familias gorilas, se vuelquen al movimiento peronista”.
“La lengua del malón es tu lengua. Es la mía. Es lo prohibido. Es la violencia de una pasión”, le dice Lía a Delia en una noche de lluvia que puede ser la última. Con esa frase, puesta en boca de uno de sus personajes, define el escritor argentino Guillermo Saccomanno su novela.
La obra narra la historia de Lía quién, además de periodista de La Nación y poeta, es judía, de izquierda y lesbiana. Delia, su amante, es escritora y lucha por conservar las formas como mujer de un capitán golpista de la Marina. El profesor Gómez también padece una combinación explosiva: es cabecita negra, peronista, devoto de la literatura inglesa y homosexual. Todo demasiado mal para la Buenos Aires de 1955, que se convulsiona entre Perón, la izquierda, los bombardeos a Plaza de Mayo del 16 de junio, los militares golpistas y la fuerza de sus intelectuales.
El joven Gómez fue testigo del amor de sus dos amigas, ilícito y sin freno. En esos tiempos de gobierno popular, conquistas sociales y persecuciones, que culminaron con el bombardeo, Delia escribió una novela que permaneció oculta hasta hoy.Ahora septuagenario, el profesor va a contar la historia de ese texto y también la vehemencia y represión que marcaron a su autora. Porque escrita bajo el influjo del amor que no se puede nombrar, la narración de Delia es doblemente maldita. Lo es por su carácter inconcluso y por la pasión subversiva que indaga: la de un indio y su cautiva.
“Lo que intenté aquí es hacer un recorrido de la historia de nuestra literatura. Que estas personas tengan una conducta totalmente outsider en la medida en que eligen lo otro, es decir, no sólo en términos de elección sexual sino que además vivan desgarrados por la relación de la literatura con la realidad, la relación de la literatura con el poder, es una clave, como el peronismo. Que los personajes sean todos provincianos también es clave. Provienen del interior, de la barbarie.”
El recorrido por la historia literaria ratifica que la literatura está ligada a la violencia, no sólo a la violencia en términos de un asesinato. Violencia es también cuestionamiento de los géneros, no aceptar lo diferente. Por ello, La lengua del Malón, reconstruye el pasado peronista para entender por qué hoy estamos como estamos.
La idea original de la novela, era la historia de una hija de desaparecidos que parte al sur en busca de sus orígenes. Pero la crónica le ganaba a la ficción, apareciendo entonces Gómez, el personaje que luego seguiría siendo el central en El amor Argentino “ahora que descubrí la voz de Gómez, no lo voy abandonar”, explica Saccomanno.

El amor argentino
Hacia 1989 había publicado Roberto y Eva. Historias de un amor Argentino; transcurrieron muchos años y cambios en la sociedad para que el escritor nos sorprenda en el 2004 con: El amor argentino.
La historia transcurre en 1959, donde Gómez el mismo profesor testigo de un amor prohibido en la lengua del malón, simpatizante peronista pero además, enamorado de un obrero de la carne y “cabecita negra”, observa impávido los tanques y la toma del frigorífico Lisandro de la Torre.
Y él, mirando todo aquello desde la marginalidad, desde la periferia, desde el “borde”, desde su realidad sin cambios posibles, busca una evasión para tanta incomprensión lanzándose a la carrera de investigar el supuesto romance de Roberto y Eva.
Roberto Arlt, el inventor de cosas inútiles, más adelante periodista locuaz de las aguafuertes porteñas y Eva Perón, la joven soñadora de un destino de heroína que se convertirá con el tiempo en la mujer del Presidente.
Dos seres como él, en esos tiempos marginales; angustiados por su porvenir, arañando las posibilidades de pertenecer a una clase social que los desprenda de su realidad angustiante.
Y sobre ellos, en el transcurso de la novela un astrólogo profetizando una masacre. Un personaje que se parece al astrólogo de Los siete locos de Arlt y tiene un rol preponderante en la vida de los personajes.
Saccomanno explica que una noche de 1bohemia en la avenida de Mayo en Buenos Aires, Roberto Arlt y Eva Duarte se llegaron a conocer, por ello en la novela retoma “ese posible encuentro” con Arlt entrando a un bar y puteando por la ubicación de la estatua de Florencio Sánchez y en un gesto nervioso vuelca sin querer el capuchino sobre la falda de Eva. Ella va al baño, vuelve tosiendo y dice: “Esta tos me va a matar”.Casualmente, Evita y Roberto mueren el mismo día con diez años de diferencia: Eva en el ‘52 y Arlt en el ‘42.
El amor argentino forma parte de un proyecto integral conformado también por La lengua del malón y una tercera novela que tendrá como protagonista a una chica nacida en cautiverio durante la dictadura de 1976. La idea es hacer una lectura política desde la literatura pero sin perder el interés por lo narrativo. “Me interesa hurgar en la violencia que está implícita en nuestra narrativa: si La lengua del malón intentaba releer e invertir el mito de La cautiva de Esteban Echeverría, acá Facundo intento trabajar sobre El matadero y en la novela que completa la trilogía me voy a dedicar al Facundo de Sarmiento, un texto clave para entender la violencia de los ‘70”.

Literatura Argentina y realidad política
Apartir de la democracia, la literatura comenzó a vivir un período rico en temas, que la dictadura del año 1976 al año 1983 se había encargado de desbastar produciendo un corte: libros quemados, escritores desaparecidos, vidas truncadas e irrecuperables… pero siempre, ella, la literatura, con el gran poder de modificar la historia.
Ante esto, Saccomanno dice: “En la medida en que un texto puede cambiar a un lector, y esto es demasiado pedir, su función, el abrir nuevas expectativas, ya está”.A inicios de los ´80, el escritor expuso una hipótesis acerca de la relación entre la producción literaria que había en ese momento y la realidad política, reflexionando que comenzaba un auge de los libros de investigación periodística porque la literatura había abandonado sus referencias.
El escritor aclara que en esa época había “un gran vaciamiento cultural: la academia alfonsinista, alegremente, se lanzó a deconstruir lo que estaba destruido. Los llamados libros de investigación periodística, ocuparon, a su manera, ese lugar de lo referencial (…). Los grandes escritores, siempre, de la forma que sea, no necesariamente directa y transparente, dieron cuenta de su época. Además, hay que remarcar, en relación con aquel auge de los libros de investigación, el inmenso deterioro institucional.Este fue el país del punto final, de la obediencia debida y de los indultos. En ese contexto es que el periodismo pasó a hacer las veces, de manera limitada e ilusoria, de fiscal”.
Si recordamos algunos libros de aquellos años, encontramos: Recuerdo de la muerte de Miguel Bonasso; La novela de Perón, de Tomás Eloy Martínez; La revolución es un sueño eterno, de Andrés Rivera; Cuarteles de invierno, de Osvaldo Soriano. Todos ellos narradores fogueados, escritores comprometidos, quienes aportaban en cada una de sus obras, interrogantes sobre quiénes somos, la sociedad en que vivimos y el Estado actual.
“La literatura escrita durante las décadas del 80 y 90 por autores ligados a la vida cultural, política y social de los años 60 y 70 forma parte de la recuperación de una memoria generacional desde la perspectiva de una clase media intelectualizada”, expresa el escritor, pero a partir del menemismo y luego con la Alianza, “las carreras de letras, desideologizadas, se encargaron de formar técnicos. Gente que en muchos casos se inserta en los medios, en sus suplementos literarios; o en las editoriales, como asesores. Gente vinculada, en última instancia, a la formación del gusto masivo, a las modas. Ideología, al fin y al cabo.”
La propuesta de Guillermo Saccomanno, radica en el poder de sugerir que tiene al escribir en los “bordes del realismo”, además de dejar en sus obras y, sobre todo en los paratextos - títulos, epígrafes - las pistas para interpretar sus novelas y cuentos con breves indicaciones, como faros para que nosotros, los lectores, sigamos explorando hacia la dirección señalada.

Brad Mehldau PLACES

2008-06-18T18:50:00.003-03:00

1. Los Angeles

2. 29 Palms

3. Madrid

4. Amsterdam

5. Los Angeles 2

6. West Hartford

7. Airport Sadness

8. Perugia

9. A Walk In The Park

10. Paris

11. Schloss Elmau

12. Am Zauberberg

13. Los Angeles (Reprise)

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Brad Mehldau SONGS

2008-06-18T18:41:00.001-03:00

Song-Song /

Unrequited /

Bewitched, Bothered And Bewildered /

Exit Music (For A Film) /

At A Loss /

Convalescent /

For All We Know /

River Man /

Young At Heart /

Sehnsucht

Brad Mehldau (piano), Larry Grenadier (contrabajo), Jorge Rossy (batería).

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Brad Mehldau HOUSE ON THE HILL

2008-06-18T05:33:00.003-03:00

01. August Ending

02. House On Hill

03. Bealtine

04. Boomer

05. Backyard

06. Fear And Trembling

07. Embers

08. Happy Tune

09. Waiting For Eden

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Brad Mehldau DAY IS DONE

2008-06-18T05:26:00.004-03:00

Brad Mehldau: piano

Larry Grenadier: bass

Jeff Ballard: drums

1. Knives Out

2. Alfie

3. Martha My Dear

4. Day Is Done

5. Artis 6. Turtle Town

7. She's Leaving Home

8. Granada

9. 50 Ways To Leave Your Lover

10. No Moon At All

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Nils Petter Molvaer (Noruega 1960) UNA APROXIMACION A SU MUSICA

2008-06-17T12:12:00.003-03:00

Nils Petter Molvaer, trompetista noruego, compositor y productor, conecta extremos estilísticos - jazz, ambient, house, electrónica y breakbeat - y los funde en convincentes paisajes sonoros de profunda intensidad.
Nacido en 1960 en Sula (Noruega), Nils Petter se introdujo en el jazz desde muy joven de la mano de su padre, que era músico. Después de tocar en varias bandas de colegio y en algunos clubes locales, dejó Sula en 1979 para estudiar música en el conservatorio de Trondheim. Allí empezó a desarrollar su estilo único y empezó a labrarse una reputación como uno de los más interesantes talentos emergentes en la escena noruega.
Sus influencias musicales son eclécticas y abarcan nombres como Miles Davis, Don Cherry, Billie Holiday, Brian Eno, Joni Mitchell y Bill Laswell. Su interés por el sonido acústico y el eléctrico por igual nos da una de las claves para entender su dominio para mezclar pop, rock y funk con una concepción contemporánea del jazz. Esta sensibilidad excepcional le llevó muy pronto a ser uno de los músicos más solicitados de Oslo. Después de su etapa en el combo de jazz noruego Masqualero, Nils Petter conoció a Manfred Eicher, el cual le fichó rápidamente para formar parte de su nómina de músicos y sesiones de estudio para el sello ECM, junto a artistas como Roby Schulkowsky.
Nils Petter grabó su álbum de debut como líder en 1997. "Khmer" centra su discurso en una amalgama de improvisación nunca vista y en ritmos circulares desesperadamente hipnóticos. La respuesta de crítica y público fue excepcional, y fue galardonado con el Premio de la Crítica Alemana y con un Grammy noruego.
La esperadísima continuación de "Khmer", editada por ECM en mayo del 2000 y titulada "Solid Ether", fue un paso adelante en la interacción de Molvaer y la cultura de clubes. La idea que da unidad a "Solid Ether" es la de que una pieza musical nunca está realmente acabada, y que la producción y la composición son procesos en constante evolución. "El Éter (Ether) no existe, cómo puede ser entonces sólido? Es una paradoja - como la propia vida".
Con este convencimiento Nils Petter tuvo la idea de remezclar "Solid Ether". Las remezclas de artistas como Funkstoerung, Bill Laswell, Herbert, Joakim Lone o Cinematic Orchestra resultaron en "Recoloured - The Remix Album", editado en abril del 2001.
"np3", nos muestra a Nils Petter evolucionando sobre los conceptos que ya trabajó en "Solid Either" y "Khmer", encontrando el camino para la perfecta interacción entre elementos absolutamente dispares y combinando de manera sorprendente diferentes estructuras musicales. Una presencia muy importante en "np3" es el apasionado y creativo uso que Molvaer hace de la tecnología para crear música con verdadera almaLos tiempos cambian, los sonidos cambian, la música cambia: "Pertenecer a una generación que no creció bajo la influencia de los standards tradicionales, ésta es una de las claves de mi tradición…"
Intentando explicar su música, la magia que contiene puede ser destrozada. La música habla por sí misma.

Nils Petter Molvaer SOLID ETHER

2008-06-17T12:03:00.003-03:00

1. Dead Indeed 7:30

2. Vilderness 1 7:48

3. Kakonita 5:02

4. Merciful 1 1:02

5. Ligotage 6:43

6. Trip 6:24

7. Vilderness 2 4:56

8. Tragamar 4:45

9. Solid Ether 5:12

10. Merciful 2 1:13

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Nils Petter Molvaer STREAMER

2008-06-17T11:58:00.006-03:00

1- Frozen

2- Marrow

3- Little Indian

4- Kakonita

5- Sauna

6- Simply So

7- Hurry Slowly

8- Solid Ether

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Nils Petter Molvaer NP3

2008-06-17T11:54:00.004-03:00

Tabula Rasa

Axis Of Ignorance

Hurry Slowly

Marrow

Frozen

Presence

Simply So

Little Indian

Nebulizer

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Nils Petter Molvaer KHEMER

2008-06-17T11:44:00.004-03:00

Nils Petter Molvær trumpet, electric guitar, bass guitar, percussion, samples

Eivind Aarset electric guitar, effects, ambient treatments

Ulf W. Ø. Holand samples

Morten Mølster electric guitar

Roger Ludvigsen acoustic guitar, percussion, dulcimer

Rune Arnesen drums

Reidar Skår samples, keyboards

Khmer

Tløn

Access / Song of Sand I

On Stream

Platonic Years

Phum

Song Of Sand II

Exit

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